La silla del director

'El árbol de la vida', Terrence Malick

2011-09-17T18:20:00.002+02:00

Por muy mal que nos vayan las cosas, qué insignificantes parecen nuestros problemas si los comparamos con la vastedad del universo. Eso debió de pasarle por la cabeza al director estadounidense Terrence Malick cuando pensó en el guión de El árbol de la vida, película que llega ahora a nuestras pantallas tras ganar la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes. En ella, Malick hace una profunda reflexión sobre el mundo interior de cada uno, lo que nos atormenta, lo que nos estigmatiza, lo que no entendemos y lo que sentimos cuando parece que lo tenemos todo y en realidad no tenemos nada.

Sean Penn interpreta a un arquitecto de éxito que no acaba de encontrar la calma necesaria que le haga feliz. Para dar con las razones de su desasosiego, echa la vista atrás y busca en su infancia, marcada por la estricta autoridad de un padre religioso, frustrado, que jamás consiguió ser lo que soñaba y que volcaba en la ferrea disciplina de sus hijos su propia insatisfacción. El padre, interpretado por un magistral Brad Pitt, era uno de esos americanos de los años 50 que ante sus hijos no era “papá”, sino “señor”. Una típica familia patriarcal de la América profunda de arraigadas convicciones religiosas y morales, pero a la vez ambiguas. Una ambigüedad que jamás entendian sus hijos y que se muestra en un frase sencilla, pero cargada de sentido: “nos dice que no pongamos los codos sobre la mesa, pero él los pone”.

El árbol de la vida (símbolo teológico, filosófico, pero, sobre todo, místico que explica la interconexión de la vida en nuestro planeta) es un constante juego de flashbacks y digresiones que alternan la narración de la experiencia humana con la inmensidad del universo mediante diferentes escenas de la naturaleza: un volcán en erupción, una imagen del espacio exterior, dos dinosaurios que se pasean cerca de un riachuelo o la vida microorgánica. De ese modo, Malick plantea una estimulante reflexión sobre lo que somos, el tiempo en el que vivimos, nuestra trascendencia, pero también nuestra insignificancia. En un momento de la película, el padre le dice a uno de sus hijos: “te callarás durante media hora y no hablarás a menos que tengas algo realmente importante que decir”. Más allá del relativismo que supone juzgar lo que para cada uno es importante, el director se vale de este mismo recurso para crear su película: el diálogo es mínimo y solamente aparecen las palabras cuando tienen que aparecer, siendo estas tan importantes como el silencio.

Desde el punto de vista estético y técnico, El árbol de la vida es un producto cinematográfico de primer orden, impecable y lleno de preciosismo (atención a la banda sonora, la fotografía y el montaje). Sin embargo, toda esa sublimación es el principal handicap de la película: no es un film para todos los públicos, sino más bien un experimento para aquellos cinéfilos que esperan propuestas como éstas, donde el lenguaje audiovisual es tan importante o más que la historia. Pero ocurre que incluso para los que esperamos este tipo de películas, hay que reconocer que hay un abuso de la retórica cinematográfica y el film podría haber sido perfecto si se le hubiese pasado la tijera por esos excesivos (y, a veces, eternos) planos sobre la Vida en mayúsculas, el universo. A Malick le ha sobrado un poco de Malick, pero El árbol de la vida sigue siendo una película que, cuanto más tiempo pasa tras el visionado, más cuesta olvidarla.

'Los ojos de Julia', Guillem Morales

2010-11-10T15:30:00.001+01:00

Ayer me dejé vencer por la tentación y entré al cine a ver Los ojos de Julia, la última película protagonizada por Belén Rueda, a pesar de que las críticas eran devastadoras. Rueda hace de Julia, una mujer que está a punto de quedarse ciega por una enfermedad crónica y que antes de perder la visión quiere saber qué paso realmente con su hermana Sara, ya que no cree que se suicidira aunque todo parece apuntar que así fue. En esa batalla, Julia se verá envuelta en una peligrosa carrera contrarreloj donde descubrirá la verdad y las mentiras de las últimas semanas de la vida de Sara.

Una vez vista la película, debo decir que salí del cine mucho más satisfecho de lo que me esperaba (quizá porque no me esperaba nada). El guión, de Guillem Morales (también director del film), depara varias sorpresas al espectador, pero lo importante (y difícil) es que desde el principio la película está llena de sutiles pistas que pueden ayudar al público a adelantarse al desenlace, aunque debo reconocer que yo no me adelanté a nada (será que estoy en baja forma porque las críticas también apuntaban a que la trama era más que previsible). Es cierto, en cambio, que Los ojos de Julia requiere en varios momentos la benevolencia del espectador, ya que hay determinadas escenas que no se sostienen demasiado porque son inverosímiles y forzadas, aunque personalmente las perdono porque en conjunto no creo que la película esté tan mal, ni mucho menos.

Belén Rueda sigue demostrando que es una excelente actriz (se luce haciendo de invidente) y la participación de Lluís Homar (el grandísimo Lluís Homar) siempre es un aliciente para ir al cine. Guilem Morales no es un director (y guionista) experimentado y quizá ha querido llevar a cabo un proyecto demasiado complicado, buscando referentes en el cine de terror y de intriga de los años 70 (el giallo italiano he leído por ahí), pero yo creo que hay que ser justos: si vamos al cine con una libreta y un boli en plan "soy el crítico más exigente del mundo", podemos sacar los errores que queramos; pero si vamos al cine a pasar una tarde-noche entretenida, Los ojos de Julia cumple con las expectativas sobradamente. Yo la he disfrutado.

'Sexo en Nueva York 2', Michael Patrick King

2010-06-07T02:01:00.001+02:00

Que Carrie Bradshaw viviese en un apartamento al lado de Central Park, comiese y cenase a diario a base de restaurantes, tuviera 40.000 dólares en zapatos dentro del armario y para desestresarse se fuera a Dior, Prada y demás con un sueldo de una columnista en un semanario ya era excesivo. Pero que un jeque árabe que no aparece en toda la película más que un par de minutos invite a las cuatro damas a un complejo hotelero de máximo lujo en Abu Dhabi costeándole viajes en camello y alguna que otra prenda de marca, ya es un abuso contra la bondad del espectador.

Esta segunda película de la saga Sexo en Nueva York (seis temporadas de serie y dos largometrajes) carece de argumento; no hay trama, no hay acción, sólo exhibicionismo del lujo, la repetición de los temas de siempre pero extrapolándolos a un escenario diferente (Abu Dhabi) y el encadenamiento de una serie de situaciones ridículas, burdas, insostenibles y forzadas. La película se aleja de su natural Manhattan para intentar dar un giro que no existe; el discurso es el mismo de siempre, idénticas frases huecas y escenas fruto de la casualidad que, si bien podrían tener sentido en cualquier calle de Nueva York, desde luego no en un zoco de los Emiratos Árabes.

Sexo en Nueva York 2 no sólo puede suponer una decepción para sus fans, que pueden ver a sus protagonistas más como caricaturas que como personajes, sino que dan una razón de peso a sus detractores para reafirmarse en la idea de que esta serie llena de lujo, glamour y sexo no es más que la versión cinematográfica del sueño de todas aquellas jovencitas que aspiran a contonearse por las calles más caras de su ciudad y quedar por la noche con sus amiguitas para tomar Cosmopolitans. En definitiva, una película fallida que sólo contribuye a desdibujar aquellos divertidos momentos frente al televisor con el Sexo Nueva York de hace unos cuantos años.

'Saw VI', Kevin Greutert

2010-04-01T17:00:00.001+02:00

Han tenido que pasar unos cuantos meses para que finalmente haya visto Saw VI, la película a la que nuestro Ministerio de Cultura le puso la calificación de X y que, por tanto, no pudo ser proyectada en las salas de cine convencionales. Para que no andemos perdidos, la X se le pone a los films de "carácter pornográfico o que realicen apología de la violencia". Imagino que ustedes pensarán que prohibir una película porque hace apología de la violencia es absurdo, porque cada semana se estrena alguna que, por la misma regla de tres, la haría.

Pero es que, en el colmo de la tontería, Saw VI es, probablemente, la menos sanguinaria de toda la saga Jigsaw. Cierto es que hay un par de escenas realmente violentas, como la primera de todas, donde dos personajes se amputan miembros del cuerpo, pero ¿acaso en las cinco películas anteriores no ocurre más o menos lo mismo? ¿Por qué ésta tiene una X y las otras no?

El resto de la película tiene las escenas que todo el mundo espera: tipos que despiertan atados frente a una grabación que les dice que o pasan una prueba o morirán. El argumento es el mismo de siempre, pero con personajes distintos, así que no hace falta decir mucho más. Saw VI es ligeramente mejor que las últimas entregas, donde ya se rozaba el delirio, auque no está a la altura de la primera de todas. Jigsaw sigue saliendo, por supuesto, pero sus apariciones ya son demasiado forzadas.

En fin, que nuestro sabio Ministerio de Cultura no ha sido coherente, aunque seguro que los portales de descargas en Internet han ganado usuarios con esta innecesaria polémica. Saw VII, por si acaso, ya está en marcha.

'La vida ante sus ojos', Vadim Perelman

2010-03-15T00:07:00.004+01:00

Una mujer con una vida aparentemente feliz ve como su tranquilidad se va sacudida en el aniversario de aquel lejano día en que un compañero de clase disparó a varios alumnos en el instituto. Hasta aquí se puede leer, cualquier detalle más sería spoiler.

La vida ante sus ojos se presenta como un thriller con tintes dramáticos, pero desde el principio no pasa de ser una película inaguantable. Los noventa minutos de metraje son una alternancia entre flashbacks absurdos y escenas indigeribles con una Uma Thurman que va y viene y que poco puede aportar a un personaje tan descentrado. La dirección (Vadim Perelman) no es que sea mala, es que es terrible, y el guión, de Emil Stern, tiene tan poca gracia, que uno no sabe si el problema es de la novela en la que está basado (escrita por Laura Kasischke) o es que el guionista no sabía una manera mejor de adaptarla.

Da la sensación de que guionista y director sabían cómo empezarla y acabar la película, pero no tenían ni idea de cómo llenar el desarrollo, así que empezaron a cortar, pegar y así les salió un resultado insostenible: una película tremendamente soporífera y floja, muy floja.

'En tierra hostil', Kathryn Bigelow

2010-03-08T06:32:00.001+01:00

Las predicciones se han confirmado y, aunque no era mi favorita, la película de Kathryn Bigelow, En tierra hostil, ha sido seleccionada como mejor película, mejor guión y mejor dirección del año, entre otras estatuillas. Avatar, la otra líder de las apuestas, se ha tenido que conformar con algunas de las categorías técnicas y Malditos bastardos se queda con la victoria de Christoph Waltz en la de mejor actor de reparto. Por su parte, Precious se lleva el mejor guión adaptado y mejor actriz de reparto (Mo'Nique).

Si el espectador quiere saber cuál es el día a día de los soldados americanos destinados en Iraq, En tierra hostil es la oportunidad perfecta para sentir en el cuerpo la angustia y la inseguridad que deben sentir ellos. Mark Boal ha escrito un guión en realidad sencillo en cuanto a la acción, pero complejo en cuanto a la profundidad de los personajes. La película muestra a un grupo de soldados americanos que tienen como misión desactivar bombas y evitar así atentados en Iraq.

En tierra hostil es una película sobre la guerra pero sin la desmesura del cine bélico; es decir, no hay grandes escenas de sangre ni un amplio despliegue de efectos especiales. Tanto es así, que incluso se podrían contar las balas que se disparan en las dos horas que dura el filme. Por ésta y por otras muchas razones, En tierra hostil se impone como una película diferente y necesaria dentro del género bélico.

Kathryn Bigelow, que ha ganado también el Oscar a la mejor dirección, demuestra así su capacidad para adaptar un guión contenido en una película capaz de transmitir al espectador el interior de una guerra y de unos soldados en constante peligro.

'Nunca juegues con extraños 2', Louis Morneau

2010-02-16T05:18:00.006+01:00

Nunca juegues con extraños 2 vuelve a exprimir el argumento de la película de Spielberg El diablo sobre ruedas, aunque sin la gracia de ésta. Después de la primera entrega, dirigida por John Dahl, en 2008 llegó esta nueva aventura del conductor que disfruta matando con su enorme camión en las carreteras estadounidenses.

Dirigida esta vez por Louis Morneau, la película pone su punto de atención en cuatro jóvenes que van a Las Vegas (cómo no) a divertirse. Pero el coche se les estropea en mitad de las desértica carreteras de Estados Unidos (cómo no) y deciden buscar ayuda en la persona menos indicada (cómo no). A partir de aquí, el conductor invencible e inmortal, empieza su sangría particular.

Este tipo de películas se hacen sin demasiadas pretensiones, sólo para atraer al público que disfrutó, más o menos, de la primera y explotarse como producto cinematográfico en los videoclubs. Es decir, verla, alquilarla, no impactar demasiado y que pase el siguiente. Así que Nunca juegues con extraños 2 es floja, muy floja, pero tampoco se esperaba más de ella.

'Celda 211', Daniel Monzón

2010-02-15T01:42:00.002+01:00

Era de esperar y así ha sido: Celda 211 ha sido la gran triunfadora de los Goya 2010, con ocho premios, uno por delante de Agora, el filme de Alejandro Amenábar que ha visto como seis de los siete reconocimientos recibidos eran en categorías técnicas.

Y era de esperar porque Celda 211 es una gran película. Protagonizada por el premiado al Mejor Actor, Luis Tosar, el filme narra un motín en la cárcel de Zamora. Tosar es Malamadre, un criminal sin escrúpulos capaz de lo que sea para conseguir sus objetivos; en este caso, una serie de mejoras para los presos. La película va mostrando los detalles del motín: los intereses del gobierno, las presiones de grupos exteriores, la agresividad de los internos...

Tosar, indiscutiblemente, merecía el Goya. Lo merecía también Carlos Bardem, que se pone en la piel de otro preso, y que estaba nominado a Mejor Actor de Reparto junto con Antonio Resines, funcionario en Celda 211. Sin embargo, se lo ha llevado una de las promesas del cine español que cada vez demuestra más y mejor su potencial, Raúl Arévalo (Gordos).

Además, Celda 211 ha ganado el Goya a Mejor Actor Relevación (Alberto Ammánn), Mejor guión adaptado (Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría), Mejor Actriz de Reparto (Marta Etura), Mejor Dirección (Daniel Monzón), Mejor Sonido y Mejor Montaje. Celda 211, basada en la novela de Francisco Pérez Gandul (editorial Lengua de Trapo), ha confirmado así los pronósticos y ha sido la triunfadora de la gran noche del cine español.

'Up', Bob Peterson y Pete Docter

2010-02-10T11:59:00.007+01:00

En cine hay géneros y géneros. Y la animación es cada mejor y pocas veces, muy pocas, decepciona. El caso de Up es un ejemplo de ello: calidad y contenido que enternece a los adultos y entretiene a los más pequeños a la vez que les anima a reflexionar.

El argumento: un anciano al que están a punto de internar en una residencia decide escapar con su casa a cuestas con la intención de llegar a las cataratas Paraíso, antiguo sueño de infancia. Lo mágico empieza cuando la casa toma altura gracias a que ha atado a ella cientos de globos. Pero al poco de echar a volar, se da cuenta de que no viaja solo.

Vuelvo al principio de esta reseña y matizo: el cine de animación amplía cada vez más su público objetivo y también cada vez son más los adultos que se dejan seducir por estas películas. La primera parte de Up es tan dramática que incluso los más fuertes sentirán que les toca la fibra sensible. El resto del film es una agradable y divertida historia de aventuras. Aunque no domino demasiado el cine de animación, algo me hace pensar que los guiones deben ser especialmente difíciles de hacer, por aquello de tener que convencer a espectadores tan diversos. En este caso, Bob Peterson y Pete Docter (guionistas y directores) lo han hecho realmente bien.

Up ha sido nominada a cinco Oscar (Mejor Película, Mejor Película de Animación, Mejor Guión Original, Mejor Banda Sonora y Mejor Edición de Sonido). A ver cuántas estatuillas se lleva.

'Messengers 2', Martin Barnewitz

2010-02-09T00:48:00.001+01:00

Un espantapájaros que cuida de la cosecha hasta tal punto, que es incluso capaz de matar a quien se interponga en la producción agrícola. Éste es el argumento, ni más ni menos. A partir de aquí, la familia propietaria de los terrenos empieza a ver cómo su economía mejora pero su estabilidad se va al traste.

Este tipo de producciones que se crean para la rentabilidad de su alquiler en videoclubs y poco más normalmente tienden a ser decepcionantes. Es la típica película que la alquilas un viernes, te compras palomitas, la ves, al día siguiente la devuelves y, cuando te pregunta el dependiente si te ha gustado, le sueltas un rotundo NO a la vez que entrevés una sonrisilla en plan "ya lo sabía, no eres el único que me lo ha dicho".

Aunque técnicamente Messengers 2 entra dentro del género de terror, la verdad es que no hay ninguna escena que te quite el hipo, quizá debido a que la historia en sí es bastante floja. Lo peor de la película es, seguramente, el desenlace, con unos minutos finales típicos de un film de bajísimo presupuesto y, claro está, de bajísima calidad. Ver y olvidar.

'A la fuga', Enda McCallion

2010-02-08T22:09:00.001+01:00

Siempre que entro a valorar una película, evito decir directamente si es mala o buena, porque eso depende demasiado de los gustos de cada uno. Por tanto, lejos de ser categórico, me limito a justificar mis opiniones. Sin embargo, de vez en cuando uno ve películas con las que es difícil no decir, sin tapujos, que realmente es mala, muy mala.

Es el caso de A la fuga, algo así como un intento de película de terror pero que no pasa de lo ridículo. El argumento empieza por no ser original: una chica que regresa a casa algo pasada de copas atropella a un hombre. Cuando cree que lo ha matado, éste empieza a perpretar su venganza más sanguinaria.

La idea es muy parecida a Stuck, sólo que A la fuga no tiene misterio, ni terror ni un ápice de interés. Todo es tan delirante, tan absurdo y tan inverosímil, que el mayor éxito que puede tener esta película es que el espectador se arme de paciencia y llegue al final. Realmente una pérdida de tiempo.

'Expediente 39', Christian Alvart

2010-02-01T00:39:00.001+01:00

Un poco más de lo mismo: una asistente social decide adoptar a una angelical y desprotegida niña que, en el momento menos pensado, se vuelve mala y perversa. Y no es que haya desvelado nada, es que el argumento es bastante previsible (¿no pasa siempre lo mismo con películas de terror con niños acogidos en casa como protagonistas?). El toque de originalidad lo debe dar el desenlace, que es lo que acaba decidiendo si la película es buena o mala. En este caso, el final me parece el peor posible, inverosímil hasta el extremo.

Poco se puede decir más de Expediente 39 (2009), sólo que cada vez me resulta más cansina Renée Zellweger, que siempre pone la misma cara, haga cine de terror, comedias, musicales o dramas: ella hincha los mofletes, saca labios y llora (de risa, de miedo, de amor, de emoción...), pero siempre el mismo gesto. Así que sus papeles no me los creo casi nunca.

Lo único que se podría salvar de Expediente 39 es el inicio, que levanta una serie de expectativas, aunque luego no se cumplen. En definitiva, un refrito cinematográfico poco original. Ver y olvidar.

'Plan de vuelo: desaparecida', Robert Schwentke

2010-01-25T16:32:00.002+01:00

Menuda sorpresa me he llevado con esta película. La historia es bastante sencilla: una pasajera de un avión (Jodie Foster) empieza a movilizar a toda la tripulación tras darse cuenta de que su hija de seis años ya no está en el asiento de al lado. Lo que podría ser un simple juego de niños se convierte en angustia cuando pasa el tiempo y la pequeña no aparece.

El arranque de la historia es bastante tétrico, para darle un poco más de dramatismo a la película: el padre de la niña ha muerto tras caer desde lo alto de un edificio y su ataud viaja en la bodega del avión. Al mismo tiempo, alguien parece estar persiguiendo al personaje interpretado por Foster y la niña podría ser el foco de interés de esos desconocidos.

El guión da un giro a medida que se va acercando al desenlace, justo en el punto donde la película se queda en el filo entre la buena película o el desastre. La historia es inverosímil hasta el extremo por detalles que no puedo desvelar y los personajes son bastante planos y superficiales, pero aun teniendo en cuenta estas salvedades, la película se resuelve bastante dignamente. Quizá le faltaba algo más de acción o incluso hubiese estado bien que la parte más acelerada de la trama se hubiese adelantado unas cuantas páginas en el guión. Pero, como digo, al término del visionado, me queda la sensación de haber pasado un rato más que agradable, a pesar de que sea una historia imposible. Me esperaba menos.

'Infectados', Álex y David Pastor

2010-01-24T22:57:00.001+01:00

El argumento de Infectados no es demasiado original: cuatro jóvenes han conseguido evitar una infección que ha aniquilado a casi toda la humanidad y circulan por las carreteras estadounidenses con vistas a llegar al mar. La historia tiene toques que recuerdan a La carretera de Cormac McCarthy y en general a todas las películas de terror postapocalíptico.

Los hermanos Àlex y David Pastor estrenaron Infectados en Estados Unidos bajo el título Carriers y tras el éxito llegó a España, donde pasó sin armar demasiado jaleo por las salas de cine. No se trata de un guión demasiado complicado, sino bastante predecible: ya saben, los jóvenes van encontrándose con algunos infectados por la carretera, algunos se contagian, luchan como pueden contra la infección... y, por supuesto, la capacidad de contagio del virus varía dependiendo de las necesidades del guión.

En total son 85 minutos que pueden saber a poco. La historia es entretenida, aunque carezca de misterio (por lo que en realidad no estamos tan cerca del thriller) y de terror (no hay escenas que quiten el hipo, sino que uno sigue pendiente del film por curiosidad). Al final, queda una película entretenida, sin sobresaltos, ni altos, ni bajos. En definitiva: una historia sencilla para pasar el rato.

'Nine', Rob Marshall

2010-01-24T14:53:00.002+01:00

Me pregunto qué clase de perversión habré cometido durante la semana para llegar el viernes, meterme en el cine, y recibir tamaño castigo a través de mis ojos. Porque no puede haber otra forma de definir lo que he sentido con Nine, la última película de Rob Marshall.

El film se abre de inmediato con el desfile de un reparto "de lujo": Nicole Kidman (¿dije de lujo?), Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Sophia Loren y el hombre de la película, Daniel Day-Lewis. Veo las primeras coreografías, las canciones, la increíble interpretación de Day-Lewis y pienso que la cosa promete. Incluso dejo que a lo largo de los minutos, la historia me vaya atrapando, aunque siempre esperando un giro necesario que nunca llega. La fotografía sugiere, las apariciones de la grandísima Judi Dench (¡qué gran actriz!) seducen... pero a la hora y cuarto de película, parecía que había pasado el triple de tiempo. Lentamente, algunos espectadores abandonaban la sala consumidos por la desesperación.

Y es que a mitad de la película, el interés cae en picado, el abuso de las canciones es machacante y el final se va prolongado hasta lo incomprensible. Y si además contamos que de repente la superartificial Nicole Kidman cobra una relevancia que el exceso de botox no le permite asumir (es como pedirle a una Barbie que muestre algo de expresión), entonces los efectos de la impaciencia ya se apoderan de mi ser. Que conste, no me parece una película terrible, sino solamente una experiencia eterna.

Buenas interpretaciones, buena banda sonora, buena fotografía, buena dirección artística... pero al final la película acaba siendo una tarta rebozada de caramelos de colores, pero con una masa incomestible. Con tan buenos ingredientes, la culpa la debe tener el que hace la tarta.

'Avatar', James Cameron

2010-01-06T13:48:00.002+01:00

Cuando James Cameron golpea sobre la mesa, no hay duda de que quiere pegar fuerte. Avatar, su última fantasía, ya hace días que está sacudiendo las taquillas españolas. Con esta superproducción, el multi(multi, multi)millonario Cameron regresa a la ciencia ficción con una película futurista basada en la invasión de otro planeta (Pandora). Un amplio despliegue de americanos se ha instalado en Pandora para extraer un valiosísimo mineral que en la Tierra se paga a 20 millones el quilo. Pero el mayor yacimiento se encuentra bajo un poblado de nativos y las potentísimas armas de destrucción no dudarán en apuntar sobre ellos si no se retiran de allí.

Para conseguirlo, crean un avatar, un híbrido entre humano y nativo, que se encargará de mediar para que se marchen sin que llegue la sangre al río. Pero las criaturas azules no permitirán que el ser humano arrase la riqueza de sus bosques.

La película tiene varios aspectos que analizar. Para empezar, los efectos especiales son impresionantes, es innegable. Segundo, esos escenarios llenos de magia, de criaturas extrañas pero entrañables, de una flora que dan ganas de pasar horas observando y ese idílico respeto por la naturaleza que se respira, ya hacen que valga la pena pasar por el cine. Sin embargo, el guión flojea a veces por algunos tópicos tipo Pocahontas y El Señor de los Anillos, el desenlace más que previsible y las escenas llevadas al extremo del paroxismo. Necesidades comerciales para llegar al mayor número de espectadores.

Debo decir que, a pesar de los 160 minutos que dura la película, no me he aburrido en ningún momento y aunque para mi gusto hay un exceso de fantasía dentro de la fantasía (¿dónde está el límite entre la imaginación y la ingenuidad?), la inquietud de hacer turismo por Pandora, aunque sea mentalmente, hace que me quede extrañamente conforme con la historia. Son tiempos de soñar con mundos mejores.

'Spanish Movie', Javier Ruiz Caldera

2009-12-26T20:11:00.001+01:00

Doy por hecho que cuando el público va al cine a ver una comedia que parodia otras películas, tipo Spanish Movie o las que de vez en cuando salen de Hollywood, no espera encontrarse con una obra maestra, sino que va a pasar el rato, entretenerse y reírse todo lo que pueda. En este tipo de películas, el humor exagerado, hiperforzado, surrealista y facilón es lo que tiene que hacer que el espectador salga satisfecho; no por lo ingenioso de las escenas, sino por el salvajismo y el despropósito.

En Spanish movie se parodian diferentes películas españolas: Los otros, El orfanato, Volver, El laberinto del fauno, Abre los ojos, Rec, Los lunes al sol, Alatriste, Mar adentro y alguna que otra que seguro que ahora se me escapa. Es decir, lo más exitoso de los últimos años. Y aquí entro en el tema del humor salvaje: los que la hayan visto no podrán negar la bestialidad del humor en las escenas de Pedro San Antón (alter ego de Ramón Sampedro en Mar adentro) en plan Superman. Hay más casos.

Pero lo dicho, fui al cine a ver Spanish Movie con la intención reír y así fue. Podría tener en cuenta las escenas demasiado exageradas para mi gusto, la poca originalidad de algunos gags tomados directamente de películas americanas tipo Austin Powers que hacen que sea fácil saber por dónde va a ir el director o incluso el haber recurrido a los humoristas de televisión para encarnar a personajes prescindibles. También podría considerar que lo mejor de la película está en el trailer y que a veces la risa se vuelve en desconcierto pensando en lo flojo de los recursos para unir los diferentes argumentos de las películas parodiadas. Pero, más allá de todo esto, las interpretaciones principales me parecen excelentes, los cameos "cinematográficos" bien elegidos y las carcajadas, en mayor o menor medida, aseguradas. Está bien que se haya hecho esta película desenfadada para parodiar nuestro cine. Es la primera en España y aplaudo la iniciativa, pero si hay una segunda, que espero que le haya, ya habrá que exigirle más al guión y a la dirección.

'Julie y Julia', Nora Ephron

2009-11-19T08:28:00.002+01:00

La última película en cartelera con Meryl Streep en el reparto es Julie y Julia (2009), de Nora Ephron. Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Julie Powell (Amy Adams), una joven que abre un blog para explicar su experiencia a la hora de cocinar las recetas del libro de gastronomía francesa de Julia Child (Streep). Se establece así una doble narración paralela: por un lado la gestación de ese libro en los años 50 y, por otro, la aventura bloguera de Powell en 2002. En este enlace, podéis visitar el blog: http://blogs.salon.com/0001399

Echando un vistazo a las críticas, veo que han sido bastante demoledoras: larga, superficial, basada en un ideario rancio, carente de calidad... Tras ver la película, sí he notado que los sentimientos de los personajes femeninos son bastante superficiales y, en consecuencia, poco creíbles. También es cierto que 120 minutos para una historia como ésta, donde el relato es completamente lineal, es excesivo: 90 hubiesen sido suficientes. Sin embargo, Julie y Julia guarda una particular esencia que provoca una agradable calidez, quizá sea porque la cocina tiene gancho o porque pocas películas se hunden del todo si Meryl Streep lleva el timón del barco.

Julie y Julia no es una película que guarde ninguna complejidad, se trata de un guión sencillo y lleno de tópicos con una pareja de actrices que mantienen el listón alto en todo momento. Tanto es así que la estructura me recuerda demasiado a El diablo viste de Prada: en ambas películas el papel de mujer de referencia (cocinera en una y periodista en otra) es interpretado por Meryl Streep; Stanley Tucci es pareja artística de Streep en los dos filmes (en uno hace de su marido y en el otro es compañero de trabajo); en ambos, la chica que aspira a algo es más bien sencilla e ingenua y debido a su compromiso con su ambición, es capaz de poner en riesgo su relación idílica con su novio. Y, claro, si la fórmula funciona, por qué no copiarla...

En definitiva, un filme para pasar un rato entretenido y salir del cine sin demasiadas conclusiones.

'2012', Roland Emmerich

2009-11-14T04:18:00.002+01:00

Ayer llegó a las pantallas españolas 2012, la nueva superproducción apocalítpica de Hollywood. Como siempre pasa cuando se aproxima la fecha prevista del fin del mundo por alguna religión o civilización antigua, la industria cinematográfica americana se pone las pilas para crear una película y sacar tajada.

Y ya sabemos cómo se las gasta Hollywood: una millonada para mostrar los efectos especiales más espectaculares. Si hay que hacer pasar un avión por la cabeza de una aguja, Hollywood lo hace; si un coche tiene que atravesar un edificio de decenas de plantas que se está derrumbando, Hollywood lo hace; si hay que pasar por alto las leyes de la física, Hollywood lo hace. Así son estas películas: muchos efectos, muchos topicazos de corta y pega, pero poco realismo y originalidad. Y mejor no entrar en cuestiones geológicas que hacen que la película sea todavía más inverosímil.

El héroe americano en esta ocasión es el personaje que interpreta John Cusack, un estadounidense normal, divorciado, que intenta pasar más tiempo con sus hijos, sin un trabajo demasiado estable, pero capaz de mover tierra, mar y aire (no sólo lo digo en sentido figurado) para salvar a su familia. Ni me creí su papel ni el del resto del reparto.

Además, 2012 ofrece en cine al primer presidente negro de los Estados Unidos: Danny Glover es el trasunto de Barack Obama. Y, claro, ya saben que a Hollywood le da igual si el presidente es demócrata, republicano, blanco o negro. El presidente de la Gran Nación siempre, siempre, siempre, tiene que ser un gran patriota capaz de cualquier cosa por el bien de sus ciudadanos. ¡Dios bendiga a América!

Como entretenimiento, 2012 tiene su gracia (los efectos, ya saben). Eso sí, queda lejos de una gran película y se queda en una simple reinvención futurista del Diluvio Universal con mucho presupuesto pero poca lógica.

'Malditos bastardos', Quentin Tarantino

2009-11-01T23:43:00.002+01:00

Que conste desde el principio: Malditos bastardos me ha parecido pura genialidad. Tarantino se centra en la ocupación alemana de Francia. Una chica judía que había escapado de las garras de un alto cargo de la Gestapo está preparando su venganza en París. Por otro lado, un grupo de americanos, llamados los Bastardos, han llegado a la capital francesa para aniquilar al máximo número de nazis. A partir de ahí, las situaciones y el ingenio tan típicamente tarantinianos empiezan a desatarse hasta el desenlace de la película con una escena final que bien merecía que me arrodillase en el cine y gritase aquello de ¡chapó! (no lo hice por decoro).

Con técnicas cinematográficas que recuerdan a los cómics de superhéroes (viñetas, exaltación de cualidades de los personajes, letras enormes y chillonas...), el director de Kill Bill vuelve a demostrar su extraordinaria capacidad de reinventar el cine a partir de títulos ya olvidados. Tarantino no inventa personajes ni situaciones, sino que los redescubre para darles su toque personal.

Si a eso añadimos que las interpretaciones son excelentes (Brad Pitt, Diane Kruger, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Eli Roth y Martin Wuttke), nos queda una obra maestra en mayúsculas.

'Home, ¿dulce hogar?', Ursula Meier

2009-11-01T23:37:00.001+01:00

Uno de los estrenos de esta semana ha sido Home, ¿dulce hogar?, dirigida por Ursula Meier. Se trata de una película típicamente europea donde una familia se enfrenta a la apertura de una autopista al lado de su casa. Los cinco miembros tienen una vida tranquila, todos están muy unidos. Por las tardes se reúnen para jugar al hockey, por las noches para ver la televisión y por las mañana los pequeños al colegio y el padre al trabajo. Es una vida casi bucólica: la casa está rodeada de campo, apenas hay ruidos y el simple hecho de sentarse a contemplar el paisaje es más que un entretenimiento.

Pero a tres o cuatro metros de la vivienda, la nueva autopista echa abajo toda esa armonía. El excesivo ruido y la peligrosidad de un entorno que antes era idílico provocan que la familia entre en constantes tensiones y el bienestar se convierte en conflicto.

La película puede tomarse como una metáfora que contrapone el espíritu tradicional a la llegada de la modernidad. Ésta debe aceptarse, guste o no, e intentar esquivarla puede llevarnos a la locura o bien a la claustrofobia. En el caso de los personajes, hay parte de ambas cosas.

El papel femenino protagonista (la madre) lo encarna Isabelle Huppert (La pianista), poniéndose nuevamente en la piel de una mujer atormentada. Ella y Olivier Gourmet (en el papel del padre) son quienes llevan el peso de la película, enorme responsabilidad que solventan de forma más que brillante.

Ursula Meier (38) lanza así su primer largometraje demostrando que tiene buenas ideas y que es capaz de convertirlas en sugerentes propuestas cinematógraficas como ésta. Toda una promesa.

'REC 2', Jaume Balagueró y Paco Plaza

2009-10-24T03:54:00.002+02:00

¿Qué motiva que en una sala de cine, ante una película de terror, los espectadores no dejen de lanzar comentarios irónicos en voz alta y carcajadas a cada momento? Y que, para colmo, ante esos comentarios que deberían resultar molestos, el resto del público se eche a reír. Dos situaciones explicarían esto: una es que, en realidad, sea una comedia que parodia el cine de terror o bien que las escenas sean tan ridículas, que no nos quede más remedio que bromear ante el hecho de que los directores nos crean tan estúpidos como para tolerar semejante indigestión.

Con lo bien que había funcionado la primera entrega de REC, ¿qué necesidad había de dar un giro forzado e inverosímil a una historia que se podría haber quedado donde estaba? Desde el momento en que el virus contagioso de REC pasa a ser una cuestión de posesiones demoníacas en REC 2, la historia ya se me atraganta (y sólo estamos en los primeros minutos del filme). Lo que viene después es una caída en picado hasta el final.

Con REC 2, no sólo se desvirtuan las expectativas puestas en la película, sino que se acaba con el estatus alcanzado con la primera entrega. Y es que poner a Manuela Velasco en plan Tomb Raider y a uno de los personajes poseídos cocinando algo (no se ve, pero se intuye) es demasiada caña para mí (para que se hagan una idea: en ese momento, uno del público suelta en la sala "se está preparando un Cola Cao" y todo el mundo ríe). Por no hablar de que tres adolescentes se cuelan en el edificio de Rambla Catalunya sin ningún tipo de problema a pesar de que está todo absolutamente precintado y la policía controla cualquier movimiento. Por cierto, los jóvenes también van con cámara, claro.

Lo dicho: al menos, los comentarios irónicos de les espectadores han hecho que por momentos me olvidase del aburrimiento que estaba sintiendo. No les quepa duda de que habrá una tercera parte y quizá una cuarta... ¿Se impondrá definitivamente la cantidad a la calidad?

'La huérfana', Jaume Collet-Serra

2009-10-22T13:20:00.002+02:00

Si en el cine de terror ya está todo inventado, lo que les queda a los directores es dotar a sus peliculas de un giro en la trama que los espectadores no esperen. Es lo que ocurre con La huérfana, dirigida por el español afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra. El argumento está más que sobado: un matrimonio decide adoptar a una niña que, aparentemente es pura bondad y dulzura, pero a medida que avanza la película, empieza a mostrarse perversa y despiadada. Entonces, el caos y la desesperación se imponen en el hogar. Obviamente, hay aquel típico de que solamente la madre se da cuenta de lo que está pasando y su marido no la cree.

Hasta aquí, no hay nada nuevo. Sin embargo, el desenlace ofrece ese giro necesario para que el final no sea tan previsible como el desarrollo. La huérfana es una película bien construida, con una niña malísima que bien podría recordar a Rebecca De Mornay en La mano que mece la cuna. Aunque las situaciones ya nos suenen de otros filmes, el espectador disfrutará como si fuera el primero que ve de niños huérfanos y malévolos.

De momento, la película va aguantando en cartelera. El cine de terror tiene pegada y ya que cuesta tanto que salgan producciones americanas de este género dignas de mención, me gusta destacar cuando alguna es más que aceptable. Ésta lo es.

'Si la cosa funciona', Woody Allen

2009-10-18T03:30:00.001+02:00

Si la cosa funciona recupera lo más genuino de Woody Allen. Boris es un tipo mayor con achaques e hipocondríaco hasta el extremo. Tiene tendencias suicidas y actualmente no es más que una vieja gloria, gruñón, antisociable y presuntuoso. Su vida da un giro cuando una jovencísima chica se cruza en su camino y empieza a vivir con él.

La hipocondría, la tendencia al suicidio, un hombre inteligente al lado de una chica ingenua, un hombre mayor con una jovencita, un montón de historias amorosas frustradas, conversaciones trascendentes, el jazz de fondo y el falso diálogo del protagonista con el espectador. Son los ingredientes típicamente Allen que, aunque vuelven a la carga en 2009, en realidad parten de un guión escrito en los años 70. Quizá por esa razón el filme acusa la falta en escena del propio Allen. El papel protagonista estaba claramente pensado para que lo interpretase el mismo Woody Allen, los comentarios de Boris suenan descontextualizados si no salen de la boca del director y las situaciones no han acabado de provocarme la carcajada porque no me las creía del todo. El actor debía haber sido Woody Allen y no otro.

La película tiene genialidad, pero la he visto desorientada, como si fuese un último esfuerzo de recuperar la esencia de Woody Allen pero sin Woody Allen. No me cabe la menor duda de que con su presencia, la cosa hubiese funcionado. Sin él, me he tenido que conformar con los guiños, los recuerdos simpáticos de sus paranoias: pequeños destellos dentro de una película sosa (le faltaba el ingrediente principal). Quizá el director pensó en rescatar su guión del cajón y pensar: "Si la cosa funciona...".

'Flores negras', David Carreras

2009-09-18T22:24:00.001+02:00

Después de que la novela de Daniel Vázquez Sallés, Flores negras para Michael Roddick, fuera descatalogada por la editorial Plaza & Janés, el director David Carreras ha decidido recuperarla para adaptarla al cine ahora que el género negro está de moda. Aunque la novela del hijo de Manuel Vázquez Montalbán no tuviera demasiado recorrido en el mercado, ni siquiera se llegó a hacer una edición de bolsillo, lo cierto es que viendo esta película dan ganas de ponerse a buscar en alguna librería algún ejemplar perdido.

Michael Roddick es un agente secreto de la RFA, que tiene encargada una importante misión relacionada con una espía rusa. Ésta muere asesinada y Roddick decide llevarse a su hija pequeña al ver que se ha quedado sola en el mundo. Años después, cuando ambos han rehecho su vida y trabajan en un restaurante de Barcelona, todavía quedan personas interesadas en recuperar algo que pareció perderse en el pasado.

La película cuenta con un reparto internacional formado por Eduard Fernández, Maximilian Schell (Roddick), Marta Etura, Tobias Moretti y la chica Bond Maria Grazia Cucinotta. La historia, adaptada por Wolfgang Kirchner, David Carreras, Luis Marías y Joan M. Ruiz Córdoba, es de esas retorcidas, con diversos giros a medida que avanza la trama. Aunque no es una película que quite el hipo, debo reconocer que me ha dejado una sensación más que aceptable. Las interpretaciones son buenas, por lo que todo resulta bastante creíble. Es una de esas películas intrigantes que hacen que el espectador quiera ir atando cabos de inmediato, lo cual siempre es positivo.

La editorial Plaza & Janés, por cierto, me informa de que no tiene pensado reeditar la novela de Vázquez Sallés.

'Paranoid Park', Gus Van Sant

2009-08-16T23:57:00.001+02:00

Paranoid Park es la película que Gus Van Sant rodó antes de Mi nombre es Harvey Milk. Con reminiscencias, aunque lejanas, a su filme Elephant, la película se centra en un accidente que ha acabado con la vida de un guardia de seguridad de unas vías de trenes. El causante del desastre es un adolescente, Alex (Gabe Nevins), que tiene que enfrentarse a las sospechas de la policía y a su conflicto personal.

El guión, del propio Van Sant y basado en la novela de Blake Nelson, es sencillo. De hecho, es tan sencillo, que el espectador puede penetrar hasta la esencia más profunda de la película. De ese modo es fácil ver que, desde el punto de vista técnico, Paranoid Park es una obra maestra. Al espectador podrá seducirle más o menos la historia (a mí me ha seducido y mucho), pero si juzgamos el montaje, la fotografía, la banda sonora (etcétera), no hay nada que reprochar. Paranoid Park es pura genialidad, destila inteligencia en cada plano. Diría, aún siendo osado, que es de las mejores películas de Gus Van Sant.

Aunque el filme esté catalogado como drama, lo cierto es que no es un drama al uso. El director ha intentado evitar el dramatismo en todo momento. De hecho, aunque suene exraño, Van Sant parece que no intervenga en la historia; simplemente impone su carácter en los aspectos técnicos. Pero a pesar de esa distancia, el espectador se siente en todo momento dentro de la cabeza del protagonista. Una exraña paradoja con buenos resultados. Que quede dicho: el cine merece la pena por películas como ésta.

'Resacón en Las Vegas', Todd Phillips

2009-08-14T23:06:00.001+02:00

Se ha presentado como la comedia revelación de Estados Unidos y ha llegado con una potente campaña de publicidad. Resacón en Las Vegas cuenta una historia al estilo Very bad things, pero en clave de humor. Cuatro tipos deciden ir a la meca de los casinos para celebrar la despedida de solteros de uno de ellos. Pretenden pasar una velada divertida sin excesos, pero la noche les juega una mala pasada. Al despertar, descubren que han perdido al amigo que se va a casar al día siguiente y que tienen un montón de problemas por resolver antes que regresar para la boda.

He visto la película y me ha decepcionado. Las escenas de humor son demasiado forzadas y exageradas. ¿Quién se cree que cuatro tipos borrachos han logrado meter un tigre en la habitación del hotel? Entiendo que es una comedia, pero no eran necesarios los disparates. Algunos gags son tan previsibles que anulan la carcajada. Y con eso no quiero decir que no haya habido momentos en los que me haya reído. Claro que me he reído. Pero al igual que el filme tiene momentos buenos, también tiene largas partes de mirar el reloj e impacientarse.

No es una comedia ácida ni excesivamente original, sino un proyecto para conseguir un taquillaje respetable y para que el público salga de la sala con buen humor. La facturación le ha asegurado a su director, Todd Phillips, un éxito que nos deja como rédito una secuela que llegará en 2011.

'Sleepers', Barry Levinson

2009-08-06T02:08:00.001+02:00

Un grupo de chicos de Hell's Kitchen, en Manhattan, han ido demasiado lejos con una travesura y deben cumplir condena en un centro de menores. Pero en la institución, más que reformarse, van a ver cómo sus vidas dan un giro dramático enfrentándose a situaciones que les van a poner al límite de sus fuerzas.

Sleepers (1996) refleja de forma dura y contundente la vida de un barrio marginal de Nueva York en los años 60 y la amarga experiencia que suponía para muchos jóvenes pasar por un penal de menores. La historia, basada en la novela autobiográfica de Lorenzo Carcaterra, está llena de situaciones que ponen los pelos de punta al espectador, aunque el director, Barry Levinson, ha tenido la delicadeza y el acierto de evitarnos las imágenes más crudas. Basta un hábil movimiento de cámara y unos efectos de sonidos para que culquiera pueda sentir ese dolor sin necesidad de ser demasiado explícitos. Y eso porque, además, le servirá al director (y guionista) para utilizar las escenas como flashblacks de los personajes, con las que irá mostrando la angustia de los protagonistas.

La película cuenta además con un reparto de lujo: Robert de Niro encarna a un cura que es, a la vez, un tipo duro; Dustin Hoffman es un abogado alcohólico que ha aceptado demasiado pronto su fracaso; Brad Pitt es uno de los chicos ya de adulto; Kevin Bacon es uno de los guardas del reformatorio. Todos llevan a cabo un gran trabajo. Lo mismo que los papales secundarios. Chapó. Sleepers es una gran película en toda su dimensión.

'Siete mesas de billar francés', Gracia Querejeta

2009-07-12T04:33:00.001+02:00

Ángela (Maribel Verdú) regresa a la ciudad donde nació para reencontrarse con su padre, Leo, que está gravemente enfermo. Viaja acompañada de su hijo pequeño, Guille. Al llegar, Charo (Blanca Portillo) le informa de cómo han ido las cosas en los últimos años y de cómo el negocio familiar, un local de billares, acabó cerrando tras arruinar al padre de Ángela.

Siete mesas de billar francés (2007) es de esas películas aparentemente sencillas, pero con una gran fuerza narrativa. Un guión sin demasiadas complicaciones pero bien resuelto. Gracia Querejeta, guionista junto a David Planell y directora, se ha propuesto contar una historia de personajes marcados por las circunstancias. Charo, novia de Leo, está estigmatizada por su convivencia con el padre de Ángela; Antonio (Jesús Castejón) intenta tener una relación con Charo, pero ella no le perdona un aspecto de pasado; el Tuerto (Enrique Villén) es un perdedor dispuesto a recuperar su pasado aunque sin la valentía de enfrentarse al presente; Ángela se marchó huyendo de su padre y ahora vuelve a su encuentro escapando por otras razones. Así, con unos cuantos personajes más.

Las interpretaciones son excelentes. Maribel Verdú (Gora a Mejor Actriz Principal) y Blanca Portillo se salen, sobre todo esta última. El pequeño Víctor Valdivia demuestra grandes dotes y el resto de papeles secundarios intachables (Castejón, Villén, Barea...). Siete mesas de billar francés es una buena película que guarda la contención necesaria para emocionar al público. Excelente trabajo el de Gracia Querejeta.

'Mentiras y gordas', Alfonso Albacete y David Menkes

2009-07-07T13:41:00.001+02:00

Mentiras y gordas es seguramente el más claro ejemplo de producto comercial. No es una buena película; de hecho, diría que es soporífera y con un argumento casi inexistente. Sin embargo, los directores (Alfonso Albacete y David Menkes) han sabido por dónde tirar para facturar lo suficiente. Fácil: basta hablar de temas cercanos a los adolescentes, como la amistad, las drogas, las discotecas, el sexo y la diversión. Si a todo esto añadimos un reparto plagados dé los guapos y guapas más deseados de las series de televisión, el éxito parece asegurado. Tenemos a los más sexys de Los hombres de Paco (Mario Casas y Hugo Silva), los de El internado (Ana de Armas y Yon González), de Física o química (Maxi Iglesias) y hasta alguno de Compañeros (Duna Jové) , Los Serrano (Alejo Sauras) y Aída (Ana María Polvorosa). Pero el ingrediente explosivo es, claro está, que los personajes enseñan el culo y las tetas. Entonces, sí que el público se exalta y va al cine para ver lo que siempre han deseado: los desnudos de sus ídolos televisivos.

Más allá de este atractivo no hay nada. El argumento está trilladísimo a más no poder y las interpretaciones no son maravillosas, aunque quizá sea porque los papeles no dan para mucho. Mientras veía esta película, sentía una terrible impaciencia para que ocurriera algo que le diera sentido al filme. Pero, al final, nada de nada. Así que uno llega a estas conclusiones: artefacto cinematográfico de nula calidad, pero con un gran mercado al que satisfacer.

'Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel', Anne Fontaine

2009-07-06T15:02:00.002+02:00

Me sitúo ante la cartelera de la sala de cine y veo que lo que más me interesa es Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel. Intuyo que la película me va a explicar que Coco era una mujer adelantada a su tiempo, que luchó por su sueño de ser diseñadora y que, tras mucho sufrimiento, acabó consiguiendo triunfar en París. Me da por pensar que la directora, Anne Fontaine, me va a contar cómo Coco fue escalando poco a poco hasta alcanzar su meta. Pero, qué peñazo, resulta que la película es básicamente sus escarceos amorosos. La vemos de huérfana durante los primeros minutos, luego otros tantos cantando en un local de copas. Y, a partir de ahí, amoríos, desengaños y poco más. Una película que dura 110 minutos y la primera imagen de Coco (Audrey Tautou) diseñando un vestido para pasarela la vemos en el minuto 105. ¿Tanto metraje para liarnos entre sábanas y abrazos y acabar diciendo lo que ya sabíamos: que triunfó en París?

Esta directora se ha dejado llevar por la parte más romanticona y cursi de la historia de Chanel. Cuando parece que por fin va a hacer un salto narrativo, vuelve otra vez a detenerse en el amor hasta hacernos perder la paciencia. El relato no avanza ni a tiros. Luego, de repente y quizá fruto de la insuficiencia de esta directora, vemos cómo la protagonista pasa de la nada al éxito sin que sepamos cómo lo ha conseguido. Lo más grave es que pasamos de vestidos encorsetados de principios del siglo XX a otros modelos que parecen diseñados el año pasado.

Del personaje que fue Chanel no aprendemos más que lo que sabíamos. ¿Entonces para qué esta película? Por cierto, en los 110 minutos no aparece ni una sola vez la palabra "Chanel". Ella siempre es Coco. Colocan a Audrey Taoutou como protagonista y a facturar. No me ha satisfecho esta película, que parece más una columna de una revista femenina que un proyecto cinematográfico serio.

'Los extraños', Bryan Bertino

2009-06-01T12:37:00.001+02:00

Kristen (Liv Tyler) y James (Scott Speedman) llegan de madrugada a la casa que la familia de él tiene en el bosque. Lo que iba a ser una noche romántica con velas y pétalos de rosa se convierte en una pesadilla cuando tres personas con máscaras aparecen en mitad de la oscuridad.

Los extraños (2008) es la primera película del director Bryan Bertino, cuyo argumento nos recuerda a Habitación sin salida (2007), de Nimrod Antal. Técnicamente Los extraños tiene aspectos muy buenos, como algunos planos que ponen los pelos de punta o la entrada de la música en el momento preciso. Sin embargo, creo que lo que empieza de forma brillante se va desvaneciendo a medida que transcurren los minutos.

Me explico: la primera escena en la que empieza el terror es cuando Kristen y James están en una casa perdida por el bosque. A las cuatro de la madrugada, alguien llama con fuertes golpes al portón de la casa. James duda, pero finalmente abre: es una chica con actitud ausente que pregunta por Tamara. Minutos después, James se marcha a comprar tabaco. Kristen se queda sola cuando los golpes vuelven a romper la tensa tranquilidad de la casa. Pero a mitad de la película, cuando el suspense da paso a las escenas de escapadas por el bosque y de gritos por la casa mientras los asesinos les van detrás, la tensión empieza a aflojar y ya sólo cabe esperar al previsible desenlace. Tanto es así que incluso en algunos momentos del visionado me impacientaba.

Además, pongo en duda que Liv Tyler sea la mejor actriz para esta película. Creo que siempre es más pertinente para un filme de terror que esté inspirado en hechos reales que la actriz no sea conocida, porque, de ese modo, se gana verosimilitud. Vamos, que en ningún momento me creo a Kristen (el personaje) morirse de miedo, sino que veo a Liv Tyler (la actriz) intentando poner cara de terror.

'Dream', Kim Ki Duk

2009-05-27T14:23:00.002+02:00

Qué difícil lo debe tener un maestro en su disciplina. Claro, todo el mundo le exige la excelencia en su trabajo, pero es humano, por lo que no siempre puede estar al máximo nivel. Un ejemplo es el director de cine surcoreano Kim Ki-Duk. ¿Quién no le reconoce la calidad en películas como Aliento, Hierro 3 o Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera? Sin embargo, con su última película me ha dejado a cuadros.

Hablemos de Dream (2008). Jin ha tenido una pesadilla: conducía su vehículo cuando choca con otro coche y decide huir. Cuando despierta, va al lugar del accidente, donde comprueba que su sueño ha ocurrido de verdad. Decide seguir a los policías para ver quién ha sido el causante de la colisión. De ese modo, llega a Ran, que es detenida por darse a la fuga. Jin explica a la policía que él tiene la culpa por haberlo soñado, pero lo toman por loco. Él se dará cuenta de que todo lo que sueña, le ocurre a Ran, por lo que ambos intentarán mantenerse despiertos las 24 horas. Esto les llevará a torturarse para no soñar.

Dream supone un giro en el cine de Kim Ki-Duk, porque pasa de lo sugerente a lo explícito y de lo simbólico a lo surrealista. Conserva algunas referencias a sus películas anteriores, como suele hacer siempre, pero esta vez intenta ir más allá hasta casi perder el norte. ¿Es necesario que esta vez haya caído en lo gore y muestre cómo el personaje se clava agujas en la cabeza o se corta por las piernas? Hay un momento que recurre al simbolismo de una mariposa... ¿era necesario llevarlo al extremo que muestra al final de la película?

Tengo la sensación de que ha querido ser tan sublime y exquisito, que se ha vuelto demasiado surrealista. Kim Ki-Duk no ha seducido a la crítica y, desde luego, tampoco a mí. Pero entiendo que rodar una película por año conlleva estas cosas: dar una vuelta de tuerca a sus propias paranoias hasta desgastarse a sí mismo y decepcionar de vez en cuando a los espectadores.

'Quarantine', John Erick Dowdle

2009-05-05T23:14:00.001+02:00

Quarantine (2008) es el remake americano de la película Rec (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza. El argumento es el mismo: una joven periodista se va a hacer un reportaje sobre el trabajo del cuerpo de bomberos durante la noche. A lo largo de la madrugada reciben una llamada y se marchan a una comunidad de vecinos, donde una anciana parece estar poseída por la rabia. De repente, las autoridades sanitarias precintan el edificio y no dejan salir a nadie. En el interior, un peligroso virus empieza a afectar a los vecinos, que ven como su instinto asesino les hace perder el control de sí mismos.

Debo ser un espectador bastante inocente, porque, para empezar, no entiendo la utilidad de los remakes. Si una historia ya está contada, ¿qué necesidad hay de explicar lo mismo y de la misma forma? Mi inocencia va más allá porque doy por hecho que si la versión original es buena, la copia debe estar a la altura. Pero basta ver el remake para darme cuenta de que no, de que parece que hayan querido rodar un fiasco a propósito.

Desde el primer minuto, todo es un espanto: la interpretación de la reportera, Jennifer Carpenter, es sorprendente. Viéndola da la sensación de que esta mujer ha debido de salir de películas tontas de institutos americanos y cosas así. Me informo y veo dos títulos en su trayectoria que, más o menos, confirman mis sospechas: Espías seductoras (2004) y Dos rubias de pelo en pecho (2004). Se nota que esta actriz es carne de comedias absurdas americanas. Quizá es que Manuela Velasco en Rec puso el listón demasiado alto. Todo ayuda, está claro.

Pero además, el desarrollo de la película no es tan potente como en la película de Balagueró y Plaza. Hay momentos que parecen más de risa que de terror, algo imperdonable en un filme que pretenda ser serio. Además, los efectos son bastante flojos. En general, Quarantine es una mala copia de una buena película. Poco más.

'El bosque', M. Night Shyamalan

2009-04-18T05:19:00.002+02:00

En otras ocasiones en este blog ya he hablado del cine de M. Night Shyamalan. Creo que las primeras películas que llegaron con fuerza a España (El sexto sentido o El protegido) valían la pena, pero a partir de entonces continuó con una trayectoria irregular que se ha perpetuado hasta sus últimos filmes. Títulos como Señales, La joven del agua o El incidente hacen que me olvide de la calidad que el director demostró con películas como El sexto sentido. No me extiendo más y paso a comentar otra de sus obras: El bosque (2004).

Es difícil hacer un resumen del argumento sin desvelar detalles de la trama, así que solamente daré un par de pinceladas para no fastidiar a nadie. Una pequeña comunidad vive aislada en mitad del bosque. Ellos pueden vivir con toda la tranquilidad, siempre y cuando no quebranten una serie de normas. En las entrañas del bosque, en los alrededores de la comunidad, viven una serie de criaturas que amenazan la seguridad de los habitantes. Si las normas no se vulneran, no hay problemas, pero si alguien osa arriesgarse, todos pueden correr peligro.

En realidad la película es más compleja que estas pocas líneas, pero que sea el espectador quien lo descubra. M. Night Shyamanan, como director y guionista, volvió a jugársela con una película arriesgada, intentando poner al público contra las cuerdas con un desenlace inesperado. El bosque no es, ni mucho menos, su mejor obra; simplemente, diría yo, es una historia entretenida, curiosa y sorprendente. Pero también inverosímil, por lo que si el espectador es de los exigentes puede que le quede un sabor de decepción. Si es de los benévolos, y hoy me siento así, podrá pasar un rato agradable, aunque sin llegar a emocionante.

'El verdugo', Luis García Berlanga

2009-04-17T02:38:00.001+02:00

De entre los clásicos del cine español, Luis García Berlanga aparece como director de unos cuantos títulos de referencia: Plácido, El verdugo, La escopeta nacional o Bienvenido, Mister Marshall. La película que nos ocupa en este post es la que rodó en 1963, El verdugo.

Protagonizada por Nino Manfredi, el filme relata cómo José Luis, un enterrador, se ve en la necesidad de convertirse en verdugo del Estado para acceder a una vivienda. Cuando él cree que nadie va a llamarle para requerir sus servicios, recibe un mensaje para que vaya a Mallorca a ejecutar a un preso mediante garrote vil. José Luis no quiere, pero su suegro, verdugo recién jubilado, le impulsa a que cumpla con su deber. A pesar de sus reticencias iniciales, accede a emprender ese viaje con la esperanza de que llegue el indulto y no tener que ejecutar al condenado.

La gran escena de El verdugo es, casi llegando al final, cuando aparecen en una sala blanca el condenado conducido por la Guardia Civil hacia el garrote vil y detrás el verdugo agarrado por funcionarios de la prisión. Ninguno de los dos quiere llegar al patio, uno porque va a morir y el otro porque va a matar. Esta escena es la que resume a la perfección la esencia de la película y es la primera en la que pensó Luis García Berlanga cuando un abogado le relató cómo había presenciado en una misma estancia el sufrimiento de una mujer a la que iban a matar y la angustia del verdugo que la iba a ejecutar.

La película es tremenda por varias razones. En primer lugar porque, a pesar de carecer de la perspectiva necesaria, refleja como nadie la sociedad española de los años 60. Amadeo (Pepe Isbert), el suegro de José Luis, representa a un hombre conservador, de poca cultura, de esos hombres de pueblo que iban con boina a todos lados. José Luis cumple con el perfil de hombre que renuncia a sus sueños por tal de guardar las apariencias. Él quiere marcharse a Alemania a trabajar, pero en un encuentro con la hija de Amadeo, la deja embarazada y se ve obligado a casarse con ella para satisfacer al suegro, que está demasiado preocupado por lo que pensarán los vecinos. De querer marcharse, José Luis acaba aceptando la boda e incluso la profesión que le impone Amadeo. Y Carmen (Emma Penella) es la típica española también de poca cultura cuya única preocupación es su familia: tener un piso en condiciones, cuidar de su hijo y que su marido traiga dinero a casa. La película refleja también de forma magistral la hipocresía de la sociedad española de entonces: aceptan la pena capital, pero que la ejecuten los demás. Los guionistas (entre ellos, Rafael Azcona) y el director supieron captar esa curiosa doble moral.

En segundo lugar, El verdugo es una dura crítica a la pena de muerte, aunque enfocado bajo un tono de humor negro. No hay que olvidar que esta película es de 1963, en plena dictadura franquista y cuando todavía se producían ejecuciones. García Berlanga supo darle el enfoque adecuado para mostrar cómo unos personajes ven en la pena de muerte algo normal y otros (el protagonista) algo abominable. El mensaje estaba claro: no nos gusta la pena de muerte, pero no nos queda más remedio que asumirla.

'Mystic River', Clint Eastwood

2009-04-14T22:44:00.001+02:00

Primera escena: tres niños (Jimmy, Dave y Sean) juegan a hockey en una calle. La bola se les cuela por una alcantarilla. Como ya se les ha acabado el juego, deciden entretenerse escribiendo sus nombres sobre el cemento fresco de una baldosa recién puesta en la acera. Un coche se detiene frente a ellos. Sale un tipo que se identifica como policía. Les recrimina su actitud y le pide a Dave de los niños que suba al coche para ir a hablar con su madre. El niño accede a pesar del miedo. El tipo no era policía, sino un peligroso pederasta.

Varios años después la vida continúa. Sean (Kevin Bacon) es ahora inspector de la policía, Jimmy (Sean Penn) tiene un pequeño colmado y Dave (Tim Robbins) ha conseguido rehacer su vida. Pero una mañana aparece el cadáver de una joven. Sean se desplaza al lugar de los hechos y descubre que la muerta es la hija de Jimmy. La vida de estos tres ex amigos vuelve a unirse de repente bajo macabras circunstancias.

¿Por dónde empezar para hablar de Mystic River (2003)? El guión (adaptado por Brian Helgeland de la novela de Dennis Lehanees) es una obra maestra, impecable. Las interpretaciones son tremendas, no en vano Sean Penn se llevó el Óscar a Mejor Actor y Tim Robbins hizo lo mismo en la categoría de Mejor Actor Secundario. La música (Lennie Niehaus) buena y la dirección... ¿qué decir de Clint Eastwood?

Este buen hombre, que se dio a conocer mascando tabaco en el lejano oeste y disparando como nadie, es ahora un director de garantía. Cuando sale una película de Eastwood en cines, los espectadores van casi con la certeza de que el director va a superarse. Y parece que siempre lo consigue, porque cada película que hace es un poco mejor que la anterior. La última, Gran Torino, no deja lugar a dudas.

Mystic River es una mezcla explosiva: Clint Eastwood, Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon y un fantástico guión. Resulta casi imposible sentirse decepcionado con el resultado. Que Clint Eastwood nos dure mucho y nos regale películas como ésta al menos una vez al año.

'Delitos y faltas', Woody Allen

2009-04-13T23:28:00.001+02:00

Películas como Delitos y faltas (1989) demuestran que Woody Allen siempre quiso escribir una historia criminal seria, sin la carga de humor que siempre le pone con sus intervenciones. Con Match Point (2005) demostró que sabía hacerlo y obtuvo excelentes críticas. Luego intentó repetir la fórmula con Scoop (2006) y El sueño de Casandra (2007), aunque con esta última no fue tan respaldado.

Delitos y faltas es un claro antecedente de Match Point. En esta última, Allen nos mostraba cómo un entrenador de tenis (Chris Wilton) de buena posición social es puesto en jaque por su amante (Scarlett Johansson), que lo amenaza con contarle a su esposa (Emily Mortimer) su aventura si no deja la relación con ella. En Delitos y faltas tenemos exactamente lo mismo: un oftalmólogo (Martin Landau) con reputación se ve amenazado por su amante (Angelica Huston) por el mismo motivo y de la misma forma. Los maridos de ambas películas se ven obligados a tomar decisiones drásticas.

Pero Delitos y faltas, además de la historia criminal, nos explica el sentimiento de culpabilidad del oftalmólogo, Judah, un judío de fuertes convicciones religiosas. Y tenemos otro personaje, Clifford (Woody Allen), un director de cine que, aunque odia a su cuñado, se ve obligado a rodar un reportaje sobre su vida. Clifford sabe que tiene que hacerlo, pero le angustia seguir con el proyecto. Las historias de Clifford -las dos caras del éxito- y Judah -la doble moral- suceden de forma paralela a lo largo de la película, el espectador asiste a ellas de forma intercalada. Solamente al final del filme, ambos personajes llegan a un mismo punto, aunque las dos historias tengan conexiones de forma constante.

Nominada a tres Óscars -guión, dirección y actor secundario-, Delitos y faltas tuvo una buena acogida por parte de la crítica cuando se estrenó en 1989. Esta película es una buena manera de aproximarse a la parte cómica y a la dramática de Woody Allen.

'Camino', Javier Fesser

2009-04-11T22:17:00.001+02:00

La gran triunfadora de los Goya 2009 fue Camino (2008), la película de Javier Fesser con la que recuperaba la historia de Alexia González-Barros, la niña española que está en proceso de beatificación por su entrega a Cristo durante su enfermedad.

Camino (nombre ficcionado de Alexia) forma parte de una familia del Opus Dei profundamente religiosa. Con tan sólo 13 años, se le diagnostica un tumor maligno, que en poco tiempo la deja postrada en una cama. Camino es feliz en la escuela y recibe todo el cariño en casa; aparentemente no le falta de nada. Pero todas sus ilusiones empiezan a bloquearse con los terribles dolores que empieza a sentir en su cuerpo. Lejos de venirse abajo, Camino no deja de sonreír, ya que cree que es decisión de Dios que ella sufra esa enfermedad. Si muere, será porque Dios así lo ha querido. A medida que Camino va apagándose, el brazo religioso empieza a ver en ella a una mártir perfecta.

Personalmente creo que hacer una película de una historia tan dura como la de Alexia González-Barros no tiene ningún mérito. ¿Por qué? Por la sencilla razón de que la vida y el dolor ya están escritos. Lo único que tiene que hacer el guionista es adaptarla para una película y dependerá del director que quiera darle más o menos dramatismo al asunto. Es evidente que el hecho de que se vaya a tratar de la vida de una cría que murió siendo muy joven, ya supone una carga trágica a la película. Si además, le añadimos que se toca el tema del fanatismo religioso del Opus Dei, entonces ya podemos incluso llamarla película polémica.

Y yo creo que lo realmente duro en esta película no es lo que aporta Javier Fesser como director, sino lo que la propia historia nos cuenta. Diría más: toda intervención del guionista-director en el filme supone echarle más torpeza que otra cosa al relato. Creo que se nota demasiado que Fesser ha querido regodearse en el dolor de Alexia-Camino, de otro modo no entiendo esos planos de los niños llorando que no aportan nada a la película sino dramatismo fácil, así como aquellos en los que aparece la niña en plena intervención quirúrjica. Por no hablar de esas extrañas escenas finales en las que aparecen Camino y Jesús (el chico del que está enamorada) en plan espacio publicitario "ya es primavera en El Corte Inglés", más típicos de un programa infantil que de una película que pretenda ser seria.

Sinceramente, creo que más allá de reflejar la perversión de la religión y el drama de la enfermedad, Javier Fesser ha demostrado ser un director poco eficiente, que no ha aportado nada revelador con Camino. Se encontró con la historia y la contó como pudo; partía con ventaja y lo desaprovechó.

'Martín (Hache)', Adolfo Aristarain

2009-04-11T15:37:00.001+02:00

Adolfo Aristarain es de esos directores solventes, que prácticamente con cada película que hace, convence. De su trayectoria podemos destacar títulos como Martín (Hache), Un lugar en el mundo, Lugares comunes y Roma. Precisamente Martín (Hache) es, para mí, su mejor película con diferencia.

Federico Luppi (un fijo de Aristarain) encarna a Martín Echenique, un director de cine poco sociable. Él, aunque es argentino, vive en España; sus únicos amigos parecen ser su amante, Alicia (Cecilia Roth), y su colega Dante (Eusebio Poncela). Una mañana, Dante informa a Martín que su hijo, Martín Hache (Juan Diego Botto), ha intentado suicidarse. Martín padre coge un vuelo y se marcha a Buenos Aires para estar al lado de su hijo, con el que no ha tenido demasiado contacto en los últimos años. Allí se encuentra con su ex esposa, que le pide que se lleve a su hijo a España. A Martín no le quedará más remedio que ceder y meter a su hijo en casa, a pesar de que siempre ha vivido solo y de que le cuesta mucho relacionarse con nadie.

En esta película hay concentrados aquellos mágicos ingredientes: sexo, drogas y rock and roll. Pero Martín (Hache) no es solamente un película de tópicos, de desvaríos adolescentes y de cierta moralina. Aristarain pensó en una película directa, sin tapujos, donde reflejaba el contraste entre la vida de un hijo desubicado, sin estudios ni trabajo, que coquetea con las drogas y la de un padre acomodado con la vida hecha y que no le convence que venga alguien a desmontarle esa comodidad. Entre ambos están Alicia y Dante, que, aunque quieren a Martín padre, saben que es un gruñón y ven la llegada de Martín Hache como una excelente noticia.

La película es básicamente guión. Uno podría taparse los ojos y dedicarse exclusivamente a escuchar los diálogos. El texto, escrito por el propio Aristarain y por Kathy Saavedra, es una auténtica delicia. Luego, si añadimos las brillantísimas interpretaciones de todo el equipo (Poncela, Botto, Roth y Luppi), nos queda una obra de arte en mayúsculas. Martín (Hache) no deja indiferente a nadie.

'El último día', Rodolphe Marconi

2009-04-10T21:51:00.001+02:00

Simon (Gaspard Ulliel), un chico francés de 18 años, regresa a casa a pasar unas vacaciones con su familia. Simon tiene mala relación con su padre (que no acepta que su hijo estudie Bellas Artes) y con su hermana. Su madre parece ser la única que lo entiende. Entre los diferentes miembros de la familia apenas hay comunicación, ni siquiera el hecho de que Simon traiga a casa a una chica, a la que conoció la noche antes en el tren, parece levantar demasiado interés en el resto.

Imagino que Rodolphe Marconi, el director, no quería que la fuerza de la película radicara en el guión, porque en muchos momentos del filme, los diálogos desaparecen y el espectador debe centrarse en la imagen y comprender los silencios. Precisamente por eso, uno puede detenerse en observar los aspectos técnicos de la película: escenas que podían ser eliminadas, planos que no convencen, un montaje que delata demasiado las intenciones del director... De algún modo, Marconi (que también ha escrito el guión) ha querido relatar una historia de secretos familiares, donde el silencio y la incomunicación son la esencia argumental. Pero querer reflejar esa complejidad humana con un montaje original resulta demasiado forzado. Se nota tanto que el director ha querido dar belleza a su película con determinados planos, que la historia, gracias también a un extraño argumento, resulta inverosímil desde el primer minuto.

Pero el poco gusto de Marconi no se queda solamente en su manera de concebir la película, ya que la música que ha elegido para acompañar la historia de Simon es desconcertante. ¿Realmente era ésta la mejor opción para este drama? Está bien que los directores experimenten y aporten una nueva narratología al cine, pero siempre con un mínimo de sentido común. Y, créanme, no hay quer muy inteligente para darse cuenta que El último día (2004) es una película que cogea desde el principio.

'Toma el dinero y corre', Woody Allen

2009-04-10T15:04:00.001+02:00

Toma el dinero y corre (1969) fue la primera película rodada por Woody Allen, con la que parodiaba las películas de ladrones de bancos y de fugas carcelarias. Según explica Pep Aixalà en su libro Todo sobre Woody Allen (Océano, 2001), Allen quería parodiar filmes como Bonnie & Clyde, hasta el punto de haber escrito otro final en el que Virgil (Allen) acababa tiroteado, pero desistió al ser un final demasiado duro para una comedia.

Virgil es un negado para salir adelante como una persona decente. Todos sus proyectos se van al traste, así que decide ganar dinero por la vía rápida: a base de atracos a mano armada y de pequeños hurtos. Pero Virgil no puede aparcar su torpeza tampoco en la delincuencia y la policía lo atrapa una vez tras otra.

Toma el dinero y corre se presenta como un falso documental sobre la vida criminal de Virgil con entrevistas a personas que lo conocieron y cortes de imágenes de archivo que sirven para contextualizar la historia. Narrado con voz en off, el humor radica en gags visuales bastante absurdos, lejos del ingenio de sus posteriores guiones. A pesar de ello, no podemos negar la gracia de la primera etapa de Woody Allen, en la que tiende a aparecer como un irresistible seductor que siempre se muestra como un incompetente para llevar a cabo cualquier proyecto. De hecho, las características de este personsaje se repetirán en filmes posteriores, como Granujas de medio pelo (2000).

Sin que Toma el dinero y corre sea una brillante película de humor ácido e ingenioso, la verdad es que merece la pena detenerse en ella para reírse con las primeras escenas de Woody Allen. En películas como ésta vemos las raíces del mejor Allen, quizá por ello no deberían caer en el olvido nunca.

'Lilya forever', Lukas Moodysson

2009-04-08T02:23:00.001+02:00

Si tuviera que señalar cuáles son las películas más desgarradoras que he visto en mi vida, Lilya forever (2002) estaría, seguro, entre las primeras. El director y guionista sueco Lukas Moodysson hace un duro retrato de la condiciones en las que se encuentran muchos adolescentes de las ciudades más pobres de Rusia. Lilya es el perfecto paradigma de esos jóvenes desamparados que deambulan por las frías calles rusas sin futuro alguno.

Ella tiene 16 años y su madre la acaba de abandonar al marcharse con su amante a Estados Unidos. Al principio, Lilya tiene la certeza de que su madre le mandará dinero para que se marche, pero poco a poco las esperanzas se van difuminando cuando ve que el tiempo pasa y las noticias de su madre llegan con cuentagotas. Sin dinero, sin hogar y sin futuro, se ve obligada a malvivir como puede para ganar algunas monedas. La prostitución parece la salida menos dolorosa.

Lukas Moodysson ha escrito un guión tan duro como necesario para reflejar las condiciones de muchos jóvenes que, todavía hoy, venden su cuerpo para poder sobrevivir. El retrato de Lilya desgarra las entrañas de cualquier espectador por muy desalmado que sea, porque a la pobreza más extrema se suma la cada vez más menguante esperanza de mejora. La película me parece técnicamente impecable, con unos detalles escénicos que sirven para dar más dramatismo al filme, pero de forma contenida, sin llegar a caer en el morbo ni la exageración.

Cuando pienso en Lilya forever tengo una extraña sensación ambigua: por un lado me queda la sensación de haber visto una excelente película pero, por otro, no es de esas historias que a uno le guste ver muy a menudo. Quizá porque no soy lo suficiente valiente como para salir de mi cómoda posición en el sillón de casa y ver que, en ese mismo instante, muchos menores están sufriendo unas crudas condiciones de vida. No hay otra palabra que mejor defina Lilya forever: desgarradora.

'Ascensor para el cadalso', Louis Malle

2009-04-04T03:24:00.002+02:00

Louis Malle es de esos directores clave en la historia del cine francés, pero que, incomprensiblemente, parece haber quedado a la sombra de otros grandes como Truffaut, Godard, Rohmer o Rivette. Quizá sea porque Malle no estuvo dentro del grupo de la Nouvelle vague (aunque posteriormente algunos críticos hayan relacionado su estilo con esta corriente), pero el cine de Malle parece estar en un extraño segundo plano. Y es una lástima, porque este director creó películas tan diferentes como geniales todas ellas. En Ascensor para el cadalso (1957) tenemos un thriller al más puro estilo Hitchcock, tema que no tiene nada que ver con el que trata en Adiós, muchachos (1987), que se centra en la historia de una amistad entre dos chicos (uno de ellos judíos) durante la ocupación alemana de Francia. Un tema parecido a éste podría ser, salvando las distancias, el que trata en Lacombe Lucien (1974): un chico ingresa en la policía alemana que opera en Francia, pero un día conoce a una joven judía, de la que se enamora. En Un soplo en el corazón (1971), en cambio, nos relata una relación incestuosa entre una madre y su hijo. Son películas totalmente diferentes, pero todas excelentes. No son los únicos títulos que tiene, claro está, pero sirva esta pequeña selección como ejemplo.

Ascensor para el cadalso fue la primera película rodada en solitario por Louis Malle, dos años después de que en en 1955 rodara con Cousteau El mundo del silencio. Ascensor para el cadalso relata el crimen cometido por Julien Tavernier, que acaba de asesinar a su jefe (marido de su amante), Simon Carala. Cuando Julien regresa a su oficina para eliminar todas las pruebas, se queda encerrado en el ascensor toda la noche. Deja su vehículo en la entrada del edificio donde trabaja, hecho que es aprovechado por una pareja de ladrones para robarlo. Cuando Julien sale del ascensor, descubre que se le busca por el asesinato de dos turistas alemanes. Tiene dos opciones: defender su inocencia de los asesinatos de los alemanes alegando que ha estado encerrado en el ascensor (aun a riesgo de que la policía lo relacione con la muerte de Simon Carala) o bien ocultar su noche en el ascensor pero asumir que puedan implicarlo en el caso de los turistas alemanes.

Ascensor para el cadalso es una joya del cine negro que nos recuerda, como ya decía antes, a las películas de Hitchcock. Todo en el filme es puro misterio: varios crímenes cometidos en blanco y negro con la música de Miles Davis de fondo, el ritmo contenido, pausado, para que disfrutemos tanto de la trama como de la imagen.

'Broadway Danny Rose', Woody Allen

2009-04-02T23:17:00.001+02:00

La trayectoria de Woody Allen podría dividirse en diferentes etapas. Echando un vistazo a su filmografía, diría que hasta 1975 (año en que rueda La última noche de Boris Grushenko) sus películas se basan en un humor más absurdo y no tan ingenioso. Los guiones no tienen todavía esa esencia tan característica de Woody Allen, que sí tendrán sus posteriores películas. A esta etapa pertenecerían títulos como Bananas, El dormilón o Toma el dinero y corre.

En 1977 Allen da un giro a su producción con una película de humor agudo e inteligente y además con ese contenido pseudoexistencialista tan característico de él. Es el año en que se estrena Annie Hall (ganadora de cuatro Oscars y todo un fenómeno en EEUU). En este segunda etapa se incluirían películas como Manhattan (otro de los grandes éxitos de Allen), Zelig o Broadway Danny Rose.

Pero Woody Allen cede el protagonismo a otros actores a partir de 1985, cuando estrena La rosa púrpura del Cairo con Jeff Daniels en el papel principal. Le seguirán otros títulos en los que el director no aparece en el reparto o bien su papel es muy reducido: Hannah y sus hermanas (1986), Días de radio (1986), Septiembre (1987), Otra mujer (1988) y otros películas estrenadas hasta Sombras y nieblas (1991) con la que ya vuelve a tener más presencia.

Iniciaría así una cuarta etapa con títulos como Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Poderosa afrodita (1995) o Desmontando a Harry (1997), entre otros. Luego haría un par de películas en las que no aparecería, como son Celebrity (1998) y Acordes y desacuerdos (1999). Pero con Granujas de medio pelo (2000) regresa el mejor Woody Allen, el más agudo y el más inteligente. A este filme, le sigue La maldición del escorpión de Jade (2000), Un final made in Hoollywood (2001) y Todo lo demás (2003).

Su última etapa serían esas películas en las que él ya no aparece y donde el humor cede su espacio a un guión más serio, con una trama, en ocasiones más compleja. Melinda y Melinda (2005), March Point (2005), Scoop (2006), El sueño de Casandra (2007) y Vicky Cristina Barcelona (2008). Esta última quizá sea el inicio de otra etapa.

Toda esta parrafada pretendía servir como contexto para hablar de una de las películas que a mí más me gustan de Woody Allen, pero que no está entre las más valoradas. Se trata de Broadway Danny Rose (1984), donde el director coloca en la mesa de un bar, rodeada de humo y de jazz, a un grupo de cómicos que recuerdan las anécdotas del agente teatral Danny Rose (Woody Allen).

Broadway Danny Rose le sirve a Allen para recordar sus inicios como humorista, la vida de los artistas de segunda fila que se movían por los tugurios de Manhattan ganando lo que podían con sus actuaciones. Allen escoge el blanco y negro para mostrar de forma más eficiente y clara esa vida neoyorkina de los años 50. Y lo hace, creo yo, bastante bien. Esta película encierra algunos personajes que, en su esencia, se repetirán en posteriores películas (como la figura del agente).

Broadway Danny Rose es una de las grandes películas de Woody Allen, como Annie Hall, como Manhattan y como Desmontando a Harry. Me ciega la pasión por este director, no puedo negarlo.

'Odette, una comedia sobre la felicidad', Eric-Emmanuel Schmitt

2009-04-01T00:17:00.001+02:00

Odette Toulemonde (Catherine Frot) es una de esas mujeres de clase humilde, que intenta ser feliz con lo poco que tiene: su hija, su hijo y su trabajo en un centro comercial. Odette no parece haber tenido suerte en la vida, a veces incluso ha rozado la depresión. Pero todo cambió cuando descubrió las novelas de Balthazar Balsan (Albert Dupontel), un escritor maltratado por la crítica, pero con gran número de lectoras. Un día, Odette descubre que Balsan llega para firmar libros, por lo que decide ir a decirle lo que su obra ha significado para ella. Pero los nervios le juegan una mala pasada. En un segundo intento, Odette le escribe una carta a Balsan. Éste se da cuenta de que su propia vida no es satisfactoria, por lo que decide marcharse de casa y buscar a Odette.

Esta comedia pasó muy desapercibida por las pantallas de cine españolas. La crítica decía de Odette que era, algo así, como una tía de Amélie (protagonista de la película de Jean-Pierre Jeunet). Lo cierto es que ambos personajes guardan ciertas similitudes, parece que viven para hacer felices a los demás. Eric-Emmanuel Schmitt, conocido dramaturgo francés, se lanzó a la aventura de dirigir su primera película y el resultado es más que aceptable. Diría que incluso excelente. Schmitt nos relata una de esas historias que te llegan a lo más hondo, que hacen que quieras que te la cuenten una y otra vez. Los personajes son más que entrañables, las situaciones maravillosas y la banda sonora increíble (gracias a que la película recupera las canciones de Josephine Baker). El guión destila tanta maestría como algunas de las obras que Schmitt nos ha dejado a lo largo de los años. No olvidemos, que este escritor es el autor del texto El señor Ibrahim y las flores del Corán (novela que adaptó de forma magistral François Dupeyron al cine).

Siempre digo que las comedias francesas son tremendas, porque además de hacerte reír, te acaban dejando un poso en el interior, que no te lo quitas en mucho tiempo. El caso de Odette, una comedia sobre la felicidad (2007) es un claro ejemplo.

'No sin mi hija', Brian Gilbert

2009-03-31T13:45:00.002+02:00

En 1991 nos llegaba una dura película sobre la situación de la mujer en Irán. Basada en el libro autobiográfico de Betty Mahmoody, No sin mi hija explica cómo una mujer occidental, Betty (Sally Field), se casa con un iraní, Moody (Alfred Molina), y se marchan a vivir a Irán. Allí, Betty ve cómo sus derechos son aniquiliados por ser mujer. Betty hace todo lo posible por convencer a su marido de volver a Estados Unidos, pero él se niega ya que dice que él es musulmán y que su sitio es Irán. Betty, que no quiere que su hija crezca ahí, empieza a buscar la manera de salir del país. Pero en una de las embajadas occidentales que hay en Irán le avisan: los derechos de las mujeres pertenecen a sus maridos y, en caso de divorcio, la custodia es enteramente del hombre. Pero Betty no descansa y con la ayuda de Houssein hará un último intento de fuga con su hija, a pesar de los riesgos que corre.

No sin mi hija está basada en una historia real, la vida de Betty Mahmoody. Cuando se estrenó la película, en Irán se levantaron voces de alarma, ya que dijeron que la figura de la mujer no estaba retratada como en realidad viven allí. Sally Field encarna a esa mujer luchadora, que se niega a renunciar a sus derechos y a los de su hija. Alfred Molina, en cambio, se pone en la piel de un tipo demasiado radical. Ambos llevan a cabo interpretaciones bastante aceptables con unos papeles seguramente muy delicados.

La película fue dirigida por Brian Gilbert y la adaptación del guión corrió a cargo del propio director y de David Rintels. Algunos lectores del libro opinan que la adaptación cinematográfica es algo floja e incluso superficial, quizá debido a la fuerza del libro. También algunos creen que la película es demasiado antimusulmana y que se generaliza a partir de un caso concreto. Yo, como no he leído el libro ni he estado en Irán, no puedo decir si la película está bien adaptada ni si es veraz. Lo que sí puedo afirmar es que me ha impactado por su tremenda dureza y que leeré el libro para comparar.

'Algo pasa con Mary', Peter Farrelly / Robert Farrelly

2009-03-31T13:08:00.001+02:00

No suelen gustarme las comedias americanas porque tienden a ser demasiado absurdas o basarse en un humor facilón. Pero de vez en cuando aparece una que me hace romper a carcajadas. Cuando en 1998 vi en cines Algo pasa con Mary no podía dejarme de reírme. Era la primera vez que veía en la gran pantalla a ese actor de apariencia ridícula, Ben Stiller.

Ted (Stiller) lleva años pensando en su antigua compañera de clase, Mary (Cameron Díaz), desde que un accidente doméstico le impidiera ir al baile con ella. Un día decide buscarla a través de un detective privado (Matt Dillon). Pero este casposo detective se enamora de Mary en cuando la ve, por lo que dirá a Ted que se la quite de la cabeza. Pero Ted sigue enamorado y es perseverante. Pase lo que pase, luchará por encontrarla.

Entre el detective, Ted y otros extraños personajes se crearé un disparstado círculo de hombres enamorados de Mary. Entre ellos crearán una serie de hilarantes situaciones llenas de disparates.

En su momento me reí mucho, muchísimo con esta película de los hermanos Farrelly. El otro día la volví a ver y me seguí riendo. Algunas escenas me parecen demasiado absurdas, pero a pesar de ello, sigue siendo una ingenionsa comedia, de esas para ver de vez en cuando.

'Mi mejor amigo', Patrice Leconte

2009-03-31T00:09:00.001+02:00

Patrice Leconte es de los directores de cine franceses que más me gustan. Tiene películas que ya son indiscutibles obras maestras como La chica del puente o El marido de la peluquera. Mi mejor amigo viene a confirmar que Leconte es un genio de las comedias dramáticas. En este caso tenemos a François (Daniel Auteuil), un marchante de antigüedades más preocupado por su negocio que por los demás. Una noche, su socia le ofrece una apuesta: si en unos días es capaz de presentarle a su mejor amigo, podrá quedarse con un jarrón de 200.000 euros que han comprado a medias. En caso contrario, ese pequeño tesoro será para ella. François acepta sin dudarlo, pero más tarde se da cuenta de que realmente no tiene ni un sólo amigo.

Bruno (Dany Boon) es un solitario taxista obsesionado con participar en el programa televisivo ¿Quién quiere ser millonario?. Lleva mucho tiempo preparándose a conciencia, por lo que no le queda tiempo para tener amigos. Casi como por azar, Bruno será como un ángel caído del cielo para François, que verá en el taxista la posibilidad de ganar la apuesta.

Ya podemos intuir por dónde van los tiros de la película: situaciones un tanto grotescas (casi absurdas) y sentimientos a flor de piel. La mezquindad del ser humano y el valor de la amistad. La inocencia y la picardía. Son algunos esbozos de la gran obra de arte que es Mi mejor amigo. Será que tengo pasión por el cine francés, será que me encanta Patrice Leconte, será por el enternecedor guión o será por las geniales interpretaciones. Sea por lo que sea, esta película merece un hueco en cualquier estantería de los aficionados al buen cine. Mi mejor amigo es un tierno regalo que Patrice Leconte nos hace a los espectadores. Que siga así.

'Los abrazos rotos', Pedro Almodóvar

2009-03-30T16:59:00.002+02:00

Sigo con lo mío... Almodóvar no me convence. Sí me gustó el Almodóvar de Todo sobre mi madre y el de Hable con ella. Incluso el de La mala educación no me decepcionó del todo. En cambio todo el resto de su producción me parece incomprensible. No es que no entienda sus argumentos, lo que escapa a mi comprensión es su éxito.

A pesar de que el director manchego no me va, siempre le concedo nuevas oportunidades para que me seduzca. Ayer fui al cine a ver Los abrazos rotos, pero no hay manera. Uno ya empieza a intuir por dónde va a salir siempre Almodóvar y a veces sólo hay que esperar a que se produzca lo que uno espera. Casi al final de la película hay un giro en el guión que es tan previsible (en la relación Mateo-Diego), que parece lógico pensar que ese cambio de rumbo no se va a producir. Pero no sólo se produce, sino que nos es revelado como una gran noticia inesperada. En el cine, cuando saltó esta escena, pude escuchar comentarios irónicos y reprobatorios.

Tiene gracia que Almodóvar haga un guiño a anteriores películas suyas, como Mujeres al borde de un ataque de nervios. También que aparezcan de forma fugaz actrices tan almodovarianas como Ángela Molina, Chus Lampreave o Rossy de Palma. Incluso destacaría la complicidad que ya hay con el espectador a través de una dirección artística (Antxón Gómez) y la banda sonora (Alberto Iglesias), que contienen toda la esencia de Almodóvar. Pero el argumento no tiene fuerza, las interpretaciones no son para echar cohetes (buen reparto, pero los papeles no dan para lucimientos, creo yo) y el texto en sí a veces roza lo empalagoso.

Veo el traíler de Ágora, la nueva película de Alejandro Amenábar y pienso: "hay que ver cómo ha evolucionado este director desde Tesis". Pero veo las películas de Almodóvar y pienso: "este hombre no avanza ni a empujones". No sé si es que se le ha acabado la imaginación y ya sólo le queda autorreferenciarse y seguir tirando de sus tópicos, pero el rédito tiene un límite y Almodóvar debe andar bordeándolo.

'Gran Torino', Clint Eastwood

2009-03-25T03:22:00.002+01:00

Hace unos días un amigo me dijo que, tras ver Gran Torino, sintió ganas de arrodillarse en la sala de cine y reconocer así la gran película que había dirigido Clint Eastwood. Yo, que tengo muy en cuenta el criterio de este amigo, anoté rápidamente en mi agenda ver esta película. Hoy, por fin, he podido saldar mi deuda.

Dicho esto, me surge un problema para expresar lo que me ha parecido Gran Torino. En mi mente se agolpan un montón de ideas, pero siento una especie de bloqueo que me impide hacer una reseña con un mínimo de orden y coherencia. Lo primero que pienso es cómo es posible que un vaquero que se pasaba el día escupiendo tabaco de mascar en los filmes del spaghetti western haya acabado dirigiendo películas como Cartas desde Iwo Jima o Mystic River. Pero me pregunto también cómo es posible que un tipo que roza los ochenta años tenga tanta capacidad para expresar con su cara todo un contenido argumental. En alguna ocasión, Sergio Leone (unos de los directores de las películas del oeste protagonizadas por Eastwood) prescindía de guión en algunas escenas y simplemente ponía la música de Ennio Morricone, porque sus notas tenían más carga argumental que las palabras. Pero, personalmente, creo que siempre se ha infravalorado a Eastwood en su faceta de pistolero del oeste; ¿no era también que Sergio Leone buscaba el encuadre perfecto -primeros planos- de Eastwood mientras dejaba sonar a Morricone?

En Gran Torino, Eastwood demuestra una vez más -por si alguno lo dudaba- su fuerza interpretativa. Bendito sea él por haber pasado del botox a su edad y dejar que sus líneas de expresión transmitan tanto al espectador. Solamente hay que dejarse llevar por sus caras para poner en vilo al público. No hace falta nada más. Claro que, si además de actor, es director, el resultado es una obra maestra como Gran Torino.

El guión (Nick Schenk) es bueno, la dirección es buena, son buenas las interpretaciones, es buena la música (Kyle Eastwood y Michael Stevens) y qué buena es la carga ideológica que siempre hay detrás de las películas de Eastwood. Y qué buenos son mis amigos cuando me recomiendan películas como ésta.

'El lector', Stephen Daldry

2009-03-21T13:41:00.002+01:00

Leí El lector, de Bernhard Schlink cuando tenía 16 años y recuerdo que me impactó de forma especial. El argumento contenía elementos que despertaban mi interés: un joven de 15 años (más o menos mi edad entonces), Michael Berg, se encuentra con una mujer, Hanna, que le pide que sea su lector (yo empezaba a apasionarme con la literatura en esa época). Entre ambos nace una extraña relación sexual que acaba de repente. Años más tarde, Michael descubre que Hanna está siendo juzgada por trabajar en los campos de concentración nazi.

Cuando supe que se iba a rodar la adaptación de esta brillante novela de Schlink, tuve una sensación ambigua: por un lado, deseaba reencontrarme con esta historia y saber cómo el director (Stephen Daldry) había recreado la relación entre Hanna y Michael; pero, por otro lado, era escéptico y estaba seguro de que sería muy difícil hacer una película que estuviera a la altura del libro.

El otro día me atreví y fui al cine a ver la adaptación. Desde que me senté hasta que aparecieron los créditos apenas tuve la sensación de estar en el cine. No sé si era el hecho de estar recuperando una de las novelas que habían marcado mi adolescencia o lo bien que Daldry había adaptado esta historia, pero sentía que estaba yo mismo dentro de la pantalla, viviendo de primera mano la tortuosa relación entre Hanna y Michael.

Las actuaciones de Kate Winslet, Ralph Fiennes y David Kross hacen que la película no se imponga solamente por el argumento y la dirección, sino también por la fuerza de sus interpretaciones. Guionista (David Hare) y director (Stephen Daldry) han sabido adaptar la novela con el grado de contención que Schlink escribió la novela. De ese modo, yo, que disfruté con la novela, no me he sentido en ningún caso defraudado. Todo lo contrario, el resultado ha hecho que reviva esta bonita historia y me acuerde de lo que sentía con 16 años leyendo la novela.

'El curioso caso de Benjamin Button', David Fincher

2009-02-23T23:03:00.001+01:00

Después de que la alfombra roja encaminara al elenco de cineastas al Teatro Kodak de Los Ángeles, ya podemos hacer balance de cuáles han sido las películas más premiadas. Antes de hacer cualquier mención, quiero hacer cura de humildad y reconocer que, de las nominadas, solamente he visto Vicky Cristina Barcelona (Penélope Cruz optaba y ha ganado la estatuilla a Mejor Actriz de Reparto), Mi nombre es Harvey Milk (Sean Penn se ha llevado el Oscar a Mejor Actor) y El curioso caso de Benjamin Button. Lamento ahora no haber visto Slumdog Millionaire (la gran triunfadora).

Como ya he hablado en este blog de la película de Woody Allen y de la de Gus Van Sant, no me queda más remedio que hablar del filme dirigido por David Fincher, El curioso caso de Benjamin Button. Esta película competía en 13 nominaciones, pero se ha llevado solamente tres premios llamados menores (Mauillaje, Efectos Especiales y Dirección Artística).

¿Qué nos cuenta esta película? El filme está basado en un relato del autor americano Francis Scott Fitzgerald: un recién nacido es abandonado en las escaleras de una casa. Una pareja lo recoge cuando ve que, aunque tiene cuerpo de bebé, su cara parece la de un hombre anciano y desgastado. El pequeño Benjamin tiene el crecimiento invertido: en lugar de envejecer, rejuvenece a medida que pasa el tiempo. De ese modo, nace con aspecto de un hombre octogenario, pero sus arrugas desaparecen con los años.

Lo que estaba claro es que el Óscar a Mejor Maquillaje y Mejores Efectos Especiales se los iba a llevar. Lo que era más difícil era que se llevara los otros (aunque no esperaba que el fracaso fuera tan mayúsculo). Personalmente, me parece una buena película, la disfruté mucho. Pero hay un par de cosas que no me gustaron en absoluto.

En primer lugar, creo que la evolución biológica de los personajes es demasiado desigual. Hay un momento en que Button se encuentra con un viejo amor. Button aparenta más de 50, mientras que ella unos 30, como mucho. En el transcurso de los siguientes minutos, Button ha rejuvenecido 20 años, pero ella se mantiene prácticamente igual. Al final de la película, el proceso se invierte casi con la misma velocidad. Creo que en este aspecto al director le ha faltado coherencia.

Tampoco me ha gustado las poses de Brad Pitt en plan "fíjense qué guapo estoy ahora con mi chupa, mis gafas de sol y sobre mi moto". Cada vez que Pitt aparecía con esa disposición, la sala se reía. Me gustaría pensar que ha sido todo pura ironía del director, David Fincher, para exagerar algunos rasgos del personaje.

Pero, por lo demás, El curioso caso de Benjamin Button es una película con un buen argumento, una historia emotiva y tierna, unas buenas interpretaciones (aunque el genio de Button radique más en el maquillaje que en las cualidades de Brad Pitt, de las que no dudo) y excelentes efectos especiales. Así que adelante con la película para los que todavía no la han visto.

'Mi nombre es Harvey Milk', Gus Van Sant

2009-01-13T01:49:00.001+01:00

Harvey Milk era un activista en favor del movimiento gay que en los años 70 decidió enfrentarse desde un pequeño barrio de San Francisco a todo un país para asegurar los derechos civiles de los homosexuales. Milk -encarnado por Sean Penn en esta película- empezó una carrera política que, tras varios fracasos, tuvo su recompensa cuando fue elegido regidor del distrito. Sus palabras empiezan a tener cada vez más eco en un país conservador en el que se alzan voces que pretenden que los homosexuales sean excluidos de determinados derechos laborales y que se les compare con delincuentes. Decenas de jóvenes afines al movimiento gay que pretenden reivindicar sus derechos acuden a Castro a unirse a la causa de Harvey Milk. Como él mismo decía: "me llamo Harvey Milk y vengo a reclutaros". Milk, sin embargo, vio truncada su carrera política en favor de los derechos de los homosexuales cuando fue asesinado en 1978.

Que nadie se alarme si piensa que le he fastidiado la película. En primer lugar, estamos ante un guión basado en hechos reales y, en segundo lugar, en los primeros minutos del filme, ya sabemos que Milk morirá cosido a balazos. Así que, en líneas generales, les he explicado los primeros cinco minutos de la película.

Esta película despertaba en mí diversas motivaciones para que la fuera a ver. Una es el regreso de Gus Van Sant, un director al que respeto; otra es la historia basada en hechos reales; también, claro está, me interesaba ver cómo se desenvolvía Sean Penn en el papel de Harvey Milk.

De Gus Van Sant -reconocido director homosexual- me ha gustado su enfoque moderado y que no haya caído en tópicos gays que hubiesen lastrado la película. De hecho, en todo el filme a penas hay un par de escenas de sexo y no demasiado explícitas. Aplaudo que el director haya sabido implicarse en la película pero manteniendo una distancia necesaria con la historia por el bien del espectador. Al igual que me satisface gratamente el guión de Dustin Lance Black, que ha conseguido que, de unos hechos que cualquiera puede consultar en internet -por lo que el drama es más que previsible-, consiga que el público se emocione. Y de Sean Penn qué voy a decir que no se sepa ya. No ha ganado el Globo de Oro al mejor actor dramático por esta película, no sé qué posibilidades tendrá para el Oscar, pero no hay dudas de que es un actor de peso y, en esta ocasión, lo borda.

Se podría decir mucho más, pero lo mejor es que vayan a ver ustedes mismos esta película y opinen. Pero, por favor, como siempre, en versión original subtitulada.

'My Blueberry Nights', Wong Kar-Wai

2009-01-03T15:01:00.001+01:00

Elizabeth (Norah Jones) llega una noche a un bar desconsolada por una ruptura sentimental. El bar es propiedad de Jeremy (Jude Law), con el que parece que puede iniciar una bonita historia de amor o, cuanto menos, amistad. Pero Elizabeth necesita marcharse para dar un cambio a su vida, motivo por el cual toma un autobús y recorre miles de quilómetros por Estados Unidos. En su viaje conocerá a la pareja Arnie (David Strathairn) y Sue Lynne (Rachel Weisz) y a Leslie (Natalie Portman), una jugadora de cartas compulsiva. Todo formará parte del cambio en la vida de Elizabeth, que no olvidará que uno de sus objetivos es el amor.

My Blueberry Nights (2007) está dirigida por Wong Kar-Wai, por lo que para muchos ya es un punto a favor para ver la película. Sin embargo, a mí este director de Hong Kong no me dice nada. No me gusta la textura granulada de sus imágenes, ni sus historias, ni su vuelta de tuerca sobre sí mismo. Está claro que Wong Kar-Wai tiene un estilo propio a la hora de encuadrar las imágenes, de buscar una iluminación especial y, de paso, de escribir sus guiones. El asunto es que creo que tiene tan asumido su estilo que se regodea demasiado en formalismos y se olvida de las historias.

My Blueberry Nights tiene la suerte de contar con un reparto excepcional: además de los conocidísimos Jude Law, Natalie Portman y Rachel Weisz, hay que sumar el debut de Norah Jones y el extraordinario papel -breve pero intenso- que hace David Strathairn. También vale la pena destacar la banda sonora, de esas de volver a escuchar una y otra vez.

Pero en líneas generales la película se me hace lenta y aburrida con técnicas cinematográficas que no me entusiasman (imagen, encuadres, iluminación...). No soy capaz de decir que My Blueberry Nights sea una mala película, porque sería decir demasiado y, sobre todo, teniendo en cuenta que provocó más de un aplauso en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) y que este director tiene miles de adeptos. Pero, desde luego, ni yo soy uno de ellos ni esta película me ha entusiasmado.

'Dejad de quererme', Jean Becker

2008-12-29T04:18:00.001+01:00

Resulta complicado resumir esta película sin desvelar algún detalle importante del argumento. No obstante, vamos a intentarlo. Antoine es un francés que pasa de los 40 años y que parece tenerlo todo en la vida: una esposa atenta, dos hijos maravillosos y una empresa publicitaria que le da dinero y prestigio. Pero una mañana, Antoine decide acabar con todo. Le pide a su socio que le compre su parte del negocio y, más tarde, adopta una actitud agresiva con su familia y sus amigos. Nadie entiende qué le ocurre a Antoine, pero éste no les dará tiempo a ayudarle, ya que esa misma noche decide marcharse lejos de todos.

La pregunta sería: ¿qué le pasa a Antoine para dar ese cambio en su vida? Rápidamente uno podría pensar que se trata de una película tipo American Beauty, pero en realidad no tiene nada que ver una con otra.

Jean Becker -director y guionista- ha adaptado la novela de François d'Épenoux y nos presenta una historia que, aunque resulte un poco difícil de sostener, acaba siendo tan poderosa como brutal. Si el espectador se detiene demasiado tiempo en considerar la credibilidad de la historia de Antoine, seguramente perderá el interés a medida que llegamos al desenlace del filme; pero si el público quiere darle una oportunidad a la película, al final disfrutará de un drama bastante correcto.

Dejad de quererme (2008) cuenta con la brillante interpretación de Albert Dupontel, para mí uno de los mejores actores franceses del momento. Siempre mantengo que el cine francés, en general, es de confianza y me gusta comprobar que con cada película del país vecino que veo, me afianzo en esta creencia. Qué suerte la mía.

'Los ojos del mal', Gregory Dark

2008-12-26T22:07:00.001+01:00

Un grupo de chicos de un reformatorio son seleccionados para rehabilitar un viejo hotel abandonado. En ese hotel vive un maníaco obsesionado con los ojos de las personas. Cree que los ojos son el foco del pecado, así que se dedica a arrancarlos. Los chicos irán cayendo uno a uno.

El argumento es así de sencillo. Todo lo demás son los efectos de sonido y de cámara para poner de los nervios al espectador. Los ojos del mal (2006) no es una excelente película, como suele ocurrir con las películas de terror americano de los últimos años. Además, el tema puede ser algo manido: un asesino que de joven era maltratado por su madre, una católica obsesionada con el sexo, y que de adulto se dedica a matar. No obstante, los efectos de sonido y los planos son bastante acertados, por lo que, al menos, asegura cierta sensación de miedo.

Hay momentos en que la película pierde bastante fuerza y cae en tópicos que hacen que la historia sea poco creíble. Pero si tenemos que juzgar la película -dirigida por Gregory Dark- como puro entretenimiento, el resultado no es del todo malo. Podría ser mejor, pero podría ser mucho peor. Un filme que tiene como objetivo asustar al espectador y que aguante el tipo hasta el final. Ni más ni menos.

'Primary', Robert Drew

2008-12-11T01:59:00.002+01:00

Primary es la película documental que Robert Drew rodó en 1960. El film es el seguimiento de las primarias demócratas que disputaban John Fitzgerald Kennedy y Hubert Humphrey, que ganó el primero. Primary es un ejemplo del direct cinema, Robert Drew quisó que una serie de operadores de cámara rodaran lo que ocurría en torno a los dos candidatos demócratas sin intervenir en la grabación. Es decir, són cámaras ligeras para ir detrás de Humphrey y Kennedy en plena campaña de forma que los espectadores vieran los resultados lo más objetivamente posible.

Resulta curioso ver cómo los dos candidatos se enfrentaban a estas previas, cómo pedían el voto a los americanos, cómo se enfrentaban a los mítines... Drew quería prescindir de los aspectos técnicos del documental, simplemente poner la cámara y que grabara, de ese modo se refleja la naturalidad de los candidatos y se prescinden de actitudes políticamente correctas.

Documentos como éste tienen mucho valor, porque nos aportan de primera mano cómo funcionaban unas elecciones primarias a principio de los años 60 y, sobre todo, cómo se comportaban los candidatos. Las generaciones más jóvenes saben que Kennedy fue el que ganó, que gobernó y que fue asesinado, pero no tenemos demasiados detalles de cómo fue la escalada a la Casa Blanca, a menos que se haga una lavor de rastreo de hemeroteca. Por esa razón, un documento visual como éste es realmente interesante.

Robert Drew filmó otros documentales sobre Kennedy: Crisis (película que refleja los momentos difíciles de su legislatura ante un problema racial) y Faces of November (que gira en torno a su muerte).

'An american crime', Tommy O'Haver

2008-12-11T00:12:00.001+01:00

Cerca de Indianápolis, en los años 60, una mujer accede a cuidar de las dos hijas de un matrimonio de feriantes mientras estos se marchan una temporada a trabajar. Gertrude Baniszewski (Catherine Keener), la mujer en cuestión, empieza a estar asediada por la falta de dinero y el mal estado de salud. Además, la sobreprotección hacia sus hijos, provoca que adopte una actitud violenta con una de las dos chicas de las que cuida, Sylvia (Ellen Page).

Un día decide encerrarla en el sótano mientras la somete a todo tipo de vejaciones y torturas. Los hijos de Gertrude y los otros chicos del pueblo no dudan en bajar al sótano para quemar con cigarrillos a Sylvia, golpearla, atarla y otro tipo de maltratos. Todo con el beneplácito de Gertrude y la voluntaria indiferencia de los vecinos.

Esta macabra historia está basada en hechos reales y, lo cierto, es que pone los pelos de punta. Solamente sabiendo estos detalles, ya se genera una expectación, una curiosidad por saber hasta dónde llegó Gertrude. Lo malo es que detrás de una dura historia hay un director bastante flojo: Tommy O'Haver (que ya dirigió películas como Hechizada y Así es el amor). Jamás he dirigido una película, pero tengo la sensación de que ante una historia tan potente -y real- como ésta, tiene que ser más difícil hacerlo mal que hacerlo bien. El resultado final de An american crime (2007) creo que deja mucho que desear.

La película se va sosteniendo bastante bien mientras Gertrude Baniszewski va siendo cada vez más macabra con Sylvia. Los hechos se van intercalando con imágenes del juicio que hicieron contra los implicados en el maltrato. Pero los giros que da el guión -también a cargo de Tommy O'Haver, además de Irene Turner-, van mermando la calidad de la película. A pesar de que cualquier espectador que se informe sobre esta historia, podrá saber cómo acabó -no olvidemos que es un hecho real-, el director y guionista intenta en el desenlace hacer una especie de trampa, como si diera falsas esperanzas a un espectador demasiado benévolo, algo así como una reinvención del final. Pero los hechos verídicos se imponen sobre la ficción y deja esta pequeña trampa como una maniobra ridícula de Tommy O'Haver.

La sensación que me ha dado es que lo interesante de la película radica en que son hechos reales. Todo lo demás es enormemente mejorable. Me falló la dirección y el guión. Suerte de las interpretaciones.

'La Ola', Dennis Gansel

2008-12-06T14:57:00.002+01:00

En un instituto de Alemania se organiza una semana de proyectos para explicar a los alumnos los valores de la democracia. Para ello, cada profesor hablará de un sistema de gobierno diferente. Al profesor Reiner Wenger le ha tocado tratar el tema del totalitarismo. Les pregunta a sus alumnos: ¿es posible una dictadura hoy? Los alumnos lo tienen claro: "No".

Al profesor Reiner se le ocurre un método drástico para captar la atención de sus alumnos: formar un grupo unido. El colectivo adopta un nombre (La Ola), un uniforme (tejanos claros y camisa blanca), un saludo y un símbolo. Reiner quiere que capten la idea de fidelidad y unidad, pero La Ola empieza a crecer demasiado rápido. Tanto que empieza a salirse del control del profesor Wenger. Los alumnos se obsesionan con su grupo y empiezan a crear una dictadura a pequeña escala. Cuando la violencia empieza a tomar forma, el profesor Wegner deberá impedir que un simple proyecto de clase se convierta en algo más peligroso.

Estos hechos están basados en una historia real, ocurrida en 1967 en un instituto de California. Ver esta película -dirigida por Dennis Gansel- es un interesante ejercicio de reflexión. Cualquier que oiga la pregunta de si es posible una dictadura en la actualidad en un país desarrollado, diría que no. Pero esta película te hace dudar, realmente hay miembros de la sociedad tan desorientados y necesitados de atención, que pueden llegar a ser capaces de cualquier cosa por formar parte de un colectivo.

Lo que no me ha convencido de esta película es el tiempo narrativo. Todo ocurre en tan sólo una semana. Me parece muy poco tiempo para que se monte una "ola" de estas dimensiones. No obstante, parece que los hechos reales ocurrieron en cinco días, así que poco podríamos criticar. La banda sonora me parece terrible, con una música dura insoportable, pero intuyo que Heiko Maile (encargado de la banda sonora) ha querido demostrar con esta música un determinado comportamiento de los jóvenes del instituto.

El desenlace de la película es brutal, te deja con los ojos abiertos como platos clavados en la pantalla. La fuerza de las imágenes y el contenido argumental de la película dejan un buen sabor de boca. Sin dudas, una película recomendable y necesaria.

'Saw V', David Hackl

2008-11-24T10:55:00.001+01:00

Tenía muchas ganas de ver la última entrega de Saw, para comprobar si el nuevo director iba a ser capaz de mejorar el estropicio que Darren Lynn Bousman había hecho con las anteriores películas de la saga. Saw IV me pareció un cúmulo de incoherencias más que un filme de terror psicológico serio. Pero un cambio de director siempre es buena señal: Saw V ha sido dirigida por David Hackl.

El resultado de esta última entrega, teniendo en cuenta las anteriores, es que la película no está mal. Que yo haya visto, no se deja tanto margen al azar (ya saben, qué casualidad que la víctima pase por el lugar preciso en el momento justo para encontrar la grabadora con el ya famoso "hola, quiero jugar a un juego"). Los guionistas se han tomado la molestia de intentar arreglar este entuerto con una pequeña frase: "cuando te adelantas al pensamiento humano, no se deja margen al azar". Lo dice Jigsaw (que, en forma de flashback vuelve a aparecer en Saw V).

Saw V no es tan pretenciosa como las anteriores, no riza tanto el rizo, por lo que el resultado no es tan malo. En líneas generales mantiene al espectador en vilo, lo engancha hasta el final. Los amantes de las escenas gore podrán saciar su morbosidad en esta película con torturas y juegos macabros tan sangrientos como en las otras partes.

Saw V es, por lo tanto, una película bastante correcta, deja un buen sabor de boca. No está a la altura de la primera pero, al menos, no deja cabos sueltos para que esperemos un año a ver Saw VI y aclarar nuestras dudas. Hackl deja lugar a la esperanza para recuperar el camino y devolver a Saw la calidad que merece.

'Historia de un beso', José Luis Garci

2008-11-17T22:46:00.001+01:00

El escritor Blas Otamendi (Alfredo Landa) acaba de morir en el pueblo asturiano de Cerralbos de Sella. Al entierro va su sobrino, Julio (Carlos Hipólito), que pasó con él su infancia. Al llegar al pueblo, éste se encuentra con los amigos de su tío y con su pasado. Bastará echar una mirada a las habitaciones del caserón para iniciar un largo flash back que recupere la memoria de su tío Blas.

Julio recuerda así que cuando era pequeño contó a su tío la historia de un beso que le quitaba el sueño. Blas, animado por el enamoramiento del pequeño, le contó que también él estaba enamorado. De ese modo, se van engarzando estas dos historias (los dos besos).

Yo no me canso de decir que admiro el cine de Garci. Algunos cinéfilos lo acusan de ser demasiado lento. Pero, ¿qué significa que una película sea lenta? ¿Era lento Antonioni? ¿Era lento Godard? El cine de Garci siempre está lleno de contenido. Una historia de amor a dos bandas como ésta requiere que el espectador no se pierda detalle de todo lo que rodea a los personajes: la vida de un pequeño pueblo asturiano, los paisajes, los habitantes, el contexto sociopolítico, los pensamientos... Los argumentos de las películas de Garci no están llenos de acción, sino de reflexión.

El director madrileño es fiel a un estilo y eso es de admirar. En Historia de un beso (2002) podemos notar ciertas reminiscencia a películas anteriores, como Volver a empezar o You're the one. Este drama en concreto, aunque no tiene la fuerza de otros anteriores del mismo director, sí guarda una esencia más que sugerente (aunque no llega a ser subyugante). Las buenas interpretaciones ayudan mucho a meterse en esta historia de recuerdos. Alfredo Landa es, seguramente, lo mejor de la película.

'Ninette', José Luis Garci

2008-11-14T11:07:00.002+01:00

Siempre me he reconocido un firme defensor del cine de Garci. Me gusta su capacidad para adaptar textos literarios, su visión del cine, su apuesta por un estilo... Me maravilló con Volver a empezar, me entusiasmó con Tiovivo c. 1950 y no estuvo del todo mal en Historia de un beso. Pero con Ninette (2005) tropezó.

El argumento no está del todo mal a priori: Andrés (Carlos Hipólito), un murciano conservador, decide visitar a un amigo en París. Éste le encuentra una habitación en casa de una familia española exiliada. La hija de estos, Ninette (Elsa Pataky), empieza un juego de seducción con él. Andrés se olvidará de París y caerá en las manos de la joven, a pesar de ocupar una habitación en la casa de los padres.

Cuando vi el cartel de la película, pensé: ¡peligro! ¿Por qué José Luis Garci, acostumbrado a lo dramático, pone a Elsa Pataki en plan seductora en el cartel? Las respuestas pueden ser varias: quería atraer a más público, quería ganarse el favor del espectador masculino y heterosexual, quería hacer ver que la película era otra cosa de lo que en realidad es...

Ninette es una comedia que pretendía homenajear al dramaturgo Miguel Mihura en el centenario de su nacimiento. El guión está basado en dos de sus piezas: Ninette y un señor de Murcia y Ninette, modas de París. Pero imagino que Garci no quiso arriesgarse y decidió desnudar a la Paraki. Como actriz nunca me ha gustado, como mujer tiene sus encantos. Pero ponerla con el culo al aire cada dos por tres para ganar espectadores me parece una ridícula maniobra.

Las interpretaciones son buenas. Enrique Villén es, para mí, el mejor con diferencia. Uno no puede dejar de carcajearse cada vez que aparece en escena. Beatriz Carvajal y Fernando Delgado lo hacen muy bien (como siempre). Los protagonistas, Carlos Hipólito y la propia Pataki no es que lo hagan mal, pero tampoco es que sean papeles difíciles de interpretar (y menos el de Ninette, que basta con que se desnude de vez en cuando).

En líneas generales creo que los textos de Mihura están bastante bien adaptados. Se ve la esencia de Garci en la película, pero queda corrompida por las tetas de la Pataki. Es una película que más que homenajear a Mihura, rinde tributo a la rubia explosiva. Se nota demasiado por dónde quería ir el director y eso arruina la película. Mihura no se merecía ese insolente descaro. En fin, tiran más dos tetas que dos carretas.

'El incidente', M. Night Shyamalan

2008-11-06T01:23:00.001+01:00

Tengo una amiga que me advierte cada vez que me dispongo a ver una película de M. Night Shyamalan: "no pierdas el tiempo -me dice-, este director ya hace tiempo que perdió fuerza". Pero yo, masoquista, le doy una oportunidad tras otra. El sexto sentido me entusiasmó; El protegido me gustó, aunque menos; Señales me pareció terrible; El bosque me hizo recuperar sensiblemente la confianza en Syamalan; La joven del agua insufrible; El incidente (2008)...

En la coste este de Estados Unidos una toxina está provocando una extraña reacción en los seres humanos: les causa una reacción autodestructiva y se suicidan. Un grupo de ciudadanos intenta huir, pero cuanto más trayecto recorren, más se extiende la toxina. Nadie sabe explicar a qué se debe, pero tampoco hay tiempo para hacerse preguntas: cada vez hay más muerte y no hay forma de pararlo.

¿Han visto 28 días después o 28 semanas después? Les recuerdo el argumento: un virus se ha apoderado de los humanos y les provoca un ataque de rabia contagioso que va matando a cada vez a más personas. El incidente es más o menos parecido, con la diferencia de que la destrucción es sobre los individuos mismos.

La película es tan floja como las últimas a las que nos tiene acostumbrados este director y guionista, que parece vivir más del rédito de El sexto sentido, que de otra cosa. Las interpretaciones son bastante flojas, el guión es pésimo y la dirección por un estilo. ¿Por qué cuando hay un grupo de treinta personas, solamente son susceptibles de salvarse los protagonistas? ¿Y por qué el final es tan previsible? ¿Por qué si hay dos personas en un campo, separados por unos metros de diferencia, solamente se infecta una (la que no es protagonista de la película)? ¿Por qué M. Night Shyamalan nos sigue aburriendo con argumentos tan insostenibles?

El incidente es una película floja en toda su dimensión. No hay nada que podamos salvar. Lo bueno es que, como uno no espera nada de la película antes de verla, tampoco se decepciona al final; solamente se resigna.

'El marido de la peluquera', Patrice Leconte

2008-10-31T19:34:00.001+01:00

Me gusta el cine francés, lo digo con todo convencimiento. Son muy pocas las películas que me defraudan. Es algo así como un seguro a todo riesgo: si me apetece ver una buena película, me decanto por una película francesa (a veces también italiana).

Ayer, para matar un pequeño atisvo de aburrimiento, fui a la estantería y repasé mis dvd's. Entre los diferentes títulos, vi uno que captó mi atención inmediatamente: El marido de la peluquera (1990), de Patrice Leconte. Era uno de esos dvd's que uno compra sin haber visto la película antes, pero con la sospecha de que no se está equivocando. Y, efectivamente, no me equivoqué.

La sensacional interpretación de Jean Rochefort es tan buena, que le deja a uno sin palabras. Rochefort es Antoine, un hombre obsesionado con casarse con una peluquera. De niño, Antoine se enamoró de la peluquera de su barrio y, desde entonces, se prometió que, tarde o temprano, sería el marido de una de ellas. Mathilde (Anna Galiena) es la sensual peluquera a la que un día Antoine le pide que se case con él. Sin apenas conocerse, Mathilde acepta y entre ellos nace una historia de amor capaz de arrasar con todo.

La película destila sensualidad, amor, ternura, complicidad... Es pura pasión y desenfreno. Leconte se arriesgó con el guión y con la excasez de planos exteriores (la mayor parte del metraje transcurre en la peluquería), pero el resultado le salió más que bien. La banda sonor, por cierto, es tan original como maravillosa. Me ha fascinado El marido de la peluquera y, sin vacilar, será una película para ver una y otra vez.

'Fuera de carta', Nacho García Velilla

2008-10-25T02:28:00.001+02:00

Maxi (Javier Cámara) es propietario de un próspero restaurante de Chueca, que dedica su vida a conseguir una estrella Michelín. Pero su obsesión se verá perturbada cuando su ex esposa (Cristina Marcos) fallece y le deja a cargo de sus dos hijos, uno de ellos adolescente. Maxi tendrá que encontrar hueco en su agenda para cuidar de sus hijos, seguir adelante con el restaurante y consolar a su desdichada amiga Alex (Lola Dueñas). Y lo peor de todo, tratar de que su hijo acepte su homosexualidad y su relación con su entrenador de fútbol.

A pesar de que el director -Nacho García Velilla- ha abusado de la histeria del personaje de Maxi, en líneas generales Fuera de carta (2008) es una película bastante entretenida. Es una comedia que entra dentro de los cánones del cine de humor español de los últimos años: es decir, filmes que caen simpáticos pero que no arrancan la carcajada.

Solamente la bendita aparición de Chus Lampreave -una joya del cine español- hace que la película destile cierto ingenio, aunque seguramente es más por la forma como Lampreave actúa que por el guión en sí.

Las interpretaciones son bastante correctas, aunque no me encaje el papel de Javier Cámara como histérico, borde e insoportable. Lola Dueñas es buena, Fernando Tejero lo hace bien (espero que algún director apueste por un cambio de personaje para él, que siempre se mueve por los mismos estereotipos) y el resto del reparto cumple.

Fuera de carta tiene un guión normalito, sin demasiado ingenio, pero entretenido que, supongo, era el objetivo de la película: entretenar al público y hacer una recaudación digna. Por lo demás, poco hay que añadir. Bueno sí, que Chus Lampreave -una vez más- es grande, grandísima.

'La ley del deseo', Pedro Almodóvar

2008-10-17T15:50:00.001+02:00

¿Qué tiene Almodóvar para que guste tanto? Me lo pregunto porque realmente no lo entiendo. Reconozco que las últimas películas (Todo sobre mi madre, La mala educación o Hable con ella)están bien, pero todo el Almodóvar de antes de Todo sobre mi madre me resulta insoportable. Las veo películas sin demasiado argumento, más bien como una exposición de sexo, homosexualidad y escenas sórdidas. Su cine cae en la vulgaridad y en lo soez con demasiada frecuencia y lo peor es que su sello sea ese.

La ley del deseo me ha parecido tan soporífera como Mujeres al borde de un ataque de nervios, La flor de mi secreto o Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.

Pablo (Eusebio Poncela) es director de cine; su hermana, Tina (Carmen Maura), es transexual. Juan (Miguel Molina) es el amante de Pablo, pero le abandona. Antonio (Antonio Banderas) aprovecha el momento para meterse en la vida de Pablo y en su cama. Cuando parece que es una perfecta relación sexual entre ambos, Antonio empieza a mostrar síntomas de locura y violencia. Antonio está dispuesta a cualquier cosa por quedarse con Pablo. Tina, durante toda la película, es algo así como un satélite que va dando vueltas alrededor de Pablo.

No es solamente que el argumento me parezca ridículo: un drama que mezcla elementos del thriller sin llegar a ser una cosa ni otra. Lo malo de La ley del deseo es que es todo caos, si a la película le quitamos los clichés típicos de Almodóvar (escenas de cama, transexualidad, homosexualidad...), nos quedamos con un filme que no explica nada, con argumentos vacíos.

Como siempre digo cuando hablo de Almodóvar, menos mal que ha evolucionado y ahora está dejando a un lado sus paranoias para explicarnos historias con contenido. Más vale tarde que nunca.

'Cobardes', Juan Cruz / José Corbacho

2008-10-14T23:15:00.001+02:00

José Corbacho y Juan Cruz tratan en esta película un tema tan preocupante y tan de actualidad como es el bullying (acoso escolar). Gaby es un adolescente que sufre el acoso de Guillermo, un compañero de clase. Gaby es hijo único; su padre (Antonio de la Torre) no sabe cómo hacerlo para averiguar qué problema tiene y encontrar la solución adecuada; la madre de Gaby (Elvira Mínguez) es periodista y apenas tiene tiempo para estar en casa atendiendo a su hijo. Quizá por esa desatención, Gaby sigue sufriendo una y otra vez las palizas de Guillermo sin que nadie se acerque lo más mínimo a lo que le sucede.

Por otro lado, el padre de Guillermo, un concejal del ayuntamiento (Lluis Homar), cree que su hijo es todo un ejemplo en el instituto y no deja de mostrar su orgullo ante su hijo. La madre (Paz Padilla), en cambio, empieza a sospechar que en casa no tiene precisamente a un ángel.

Cobardes (2008) no solamente habla del acoso escolar, sino que trata bastante cercanamente el problema de la educación: la desatención de los padres, la desgana de los profesores ante la falta de apoyo, la soledad de algunos niños y un largo etcétera. Teniendo en cuenta lo complejo que es reflejar toda la problemática de la educación en un filme, creo que esta pareja de directores lo ha hecho bastante bien. El final, aunque seguramente no gustará a todo el mundo, invita también a una profunda reflexión sobre los escolares.

La película no solamente es buena por el guión. Las interpretaciones son estupendas. Antonio de la Torre es un genial actor, Lluis Homar es ya indescriptible, Paz Padilla se revela como una impresionante actriz (adopta un papel dramático), Elvira Mínguez lo hace más que bien y el pequeño Eduardo Garé lo borda. Todo ayuda a que la película sea recomendable, muy recomendable.

'Vicky Cristina Barcelona', Woody Allen

2008-10-10T01:16:00.001+02:00

Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) llegan a Barcelona para estudiar. Allí -aquí- conocen a un pintor descarado y bohemio -Javier Bardem- que despierta rápidamente el interés de Cristina. Pero la relación entre ella y Juan Antonio -el pintor, Bardem- resulta una auténtica escena pintoresca cuando aparece María Elena (Penélope Cruz), la ex de Juan Antonio, con su carácter agresivo y propenso a la depresión.

Dicho lo cual, me parece obligado desgranar esta película parte a arte: la canción principal de la banda sonora, el papel de Barcelona, las interpretaciones, el guión y Woody Allen.

La canción principal
Me dijeron que era ridícula, que no tenía sentido que Woody Allen la hubiese elegido para la película. De hecho, en un principio pensé lo mismo, pero a medida que iba viendo Vicky Cristina Barcelona y la canción se repetía una y otra vez, me acabó enganchando. Tanto, que todavía no puedo evitarla tararearla.

Por si no lo sabían, el grupo Giulia y los Tellarini dejó la maqueta de su primer disco en el Hotel Arts para que se la dieran a Woody Allen y éste decidió por la noche que sería la canción principal. Si es que en esta vida con la vergüenza no se va a ninguna parte... Bravo, por lo tanto, por Giulia y los Tellarini.

Barcelona
Aquí creo yo que radica el principal problema de la película. Se nota tanto la presión de la productora para meter Barcelona hasta en la sopa (¿hasta en el título?), que me acaba resultando empalagosa. Ya no sólo por lo forzado de las situaciones, donde la acción está supeditada al paisajismo de la ciudad, sino porque maquillan la ciudad como no lo hicieron los Juegos Olímpicos del 92. Me explico: si es necesario que salga las Ramblas, pues vamos a hacer que Cristina se aficione a la fotografía y vaya a hacer fotos a las Ramblas. Así de sencillo. Si los personajes tienen que dar un paseo, pues que se vayan a la terraza de la Pedrera, al parque de atracciones... Ya saben, donde vamos todos cuando estamos aburridos. Si hay que exagerar la vida bohemia-romántica con un guitarrista a la luz de las velas, pues adelante con ello.

Barcelona es una ciudad preciosa, apasionante y enigmática. Pero, ¿era necesario convertirla en un souvenir cinematográfico? Ya saben, quien paga manda. Y Mediapro ponía los millones (también cada uno de los catalanes que pagamos impuestos, no olviden la millonaria subvención del Ayuntamiento y la Generalitat).

Interpretaciones
Pues sí, Penélope Cruz es la gran aparición de la película. Su papel de mujer desquiciada, malhablada y depresiva lo borda. Es el mejor papel que ha hecho en toda su carrera (muchísimo mejor, a mi parecer, que en Volver, de Almodóvar).

Javier Bardem sigue en su línea. No es que el papel le permita lucirse demasiado, así que, teniendo en cuenta que es un papel sencillo (en comparación con los que últimamente interpreta), su actuación es correcta.

Scarlett Johansson interpreta, quizá, el personaje más neutro de la película. En todo el metraje apenas hay cambios de humor. En todo momento actúa como una muchacha soñadora, enamoradiza y un poco pava. No es que lo haga mal, es sencillamente que su papel no puede exigir milagros.

Rebecca Hall sí ha aprovechado esta oportunidad para gritar al mundo la capacidad interpretativa que tiene. Esos primeros planos mientras observa a los guitarristas son fantásticos. Bravo también por Rebecca Hall.

Guión
Cuando Woody Allen reconoció que Vicky Cristina Barcelona era una obra menor, hizo un acto de sinceridad. El guión es, en líneas generales, bastante flojo. Pero lejos de culpar al gran Woody Allen, me da por pensar -no sé por qué- que las condiciones de la productora no le han dejado demasiado movimiento. Tanto rodeo por la ciudad, tanto protagonismo de Barcelona, acaba por atenazar la creatividad de cualquier guionista.

Cuando Allen rodó Match Point en Londres, ¿no nos hicimos una clara idea de lo que era la capital inglesa sin necesidad de que aparecieran todos los monumentos habidos y por haber? Basta con las vistas del piso de los protagonistas con vistas al Támesis para que uno quede prendado de Londres. Otro ejemplo podría ser la película Manhattan, que desprende la esencia de Nueva York de principio a fin sin necesidad de hacer explícito en todo momento que están hablando de Manhattan.

Woody Allen
Me niego a pensar, después del fiasco de El sueño de Casandra, que Vicky Cristina Barcelona supone el declive de un maestro. Si la película tiene momentos soporíferos sigo echándole la culpa a la productora (o, en general, a los que ponían el dinero). Quiero pensar que la genialidad de Woody Allen está en esas situaciones absurdas entre María Elena (Penélope Cruz) y Juan Antonio (Javier Bardem). Y, como decía antes, que el hombre ha hecho lo que ha podido.

La conclusión es que la película me ha dejado un sabor agridulce. No me ha convencido el guión, pero me he reconciliado con Penélope Cruz. Algo es algo.

'Mujeres al borde de un ataque de nervios', Pedro Almodóvar

2008-10-05T02:21:00.002+02:00

Que alguien me diga qué tiene esta película para ser considerada una obra maestra. Me pregunto qué sentido tiene un filme que más bien debería llamarse "público al borde de un ataque de nervios", porque viéndola he sentido algo así como convulsiones y ataques de ansiedad. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) me parece de lo más estúpido del cine español de los 80 y, de paso, de lo peor de Almodóvar.

El director manchego -creo- ha sabido demostrar cierta evolución en su trayectoria y sus últimas películas tienen algo de seriedad que el resto de películas suyas no tiene. Hable con ella (2002) o Todo sobre mi madre (1999) son excelentes películas, pero desde Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980) hasta Carne trémula (1997), no le veo la gracia a Almodóvar. Empiezo a creer que es un director para determinado tipo de público, cumpliendo esa máxima que dice que "Almodóvar o te gusta o no te gusta", que es algo así como decir: "o eres fan de todo y lo defiendes a rajatabla o te parece insufrible". Aunque intento alejarme de estas frases, lo cierto es que cada vez estoy más de acuerdo. Los fans de Almodóvar parece que les gusta todo y los que lo critican, lo repudian todo también. No hay por donde coger Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, ni Carne trémula, ni La flor de mi secreto (1995) ni Mujeres al borde de un ataque de nervios... Definitivamente sólo me gusta Almodóvar desde Todo sobre mi madre y miedo me da porque Volver (2006) me pareció muy floja. A ver qué nos cuenta en Los abrazos rotos (2009).

Pero vayamos a Mujeres... Carmen Maura encarna a una mujer desesperada por amor que le da por destrozarlo todo en escenas ridículas con teléfonos saltando por la ventana y gallinas en la terraza. María Barranco hace de neurótica aterrada por haber acogido en casa a terroristas árabes. Luego está el resto del reparto (Antonio Banderas, Rossy de Palma y compañía) que conforman el resto de personajes que fuerzan situaciones tan absurdas que podrían presumir de un humor más propio de un patio de escuela que de un guión de cine. Increíble que fuera nominada al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa e incomprensible que se considere este filme como una obra maestra.

'El sueño de Casandra', Woody Allen

2008-10-04T23:07:00.001+02:00

Con El sueño de Casandra (2007), Woody Allen cerró una trilogía de películas de coproducción británica y americana. Después de Match Point (2005) y Scoop (2006) -las dos con Scarlett Johanson en el reparto-, Woody Allen nos trajo otra película en la línea de las dos anteriores: un asesinato, un/unos culpable/s y una investigación. Si bien, el guión de Match Point era brillante y el de Scoop era respetable -aunque sensiblemente inferior a Match Point-, El sueño de Casandra resulta ser una película bastante floja.

Terry (Colin Farrell) e Ian (Ewan McGregor) son dos hermanos con apuros económicos que ven cómo su situación puede cambiar si le hacen un favor a su milionario tío Howard (Tom Wilkinson): asesinar a uno de sus socio que puede meterlo en la cárcel si revela algunas irregularidades cometidas por él. Aunque Terry e Ian se niegan en un primer momento, acaban aceptando el trato.

No es que la película sea un fiasco, es simplemente que carece del ingenio de Woody Allen y es muy inferior a las dos anteriores. La historia es similar a las otras, pero con un guión claramente inferior. Terry encarna la culpa, la imposibilidad de cometer el asesinato, el remordimiento; Ian es el empuje, la mente clara y calculadora. La película se centra básicamente en esta confrontación de caracteres. Tom Wilkinson -un brillantísimo actor- apenas aparece en la película, señal de que el peso lo llevan durante todo el metraje los actores Colin Farrel y Ewan McGregor.

El sueño de Casandra es una película entretenida, pero bastante floja y, sobre todo, sencilla para haber salido de la mente de Woody Allen. Se nota que se ha esforzado muy poco y se ha conformado con una película llena de tópicos y una trama fácil.

'Zombies', J. S. Cardone

2008-09-24T10:55:00.001+02:00

Una mujer llega con sus dos hijas a una casa en la montaña que ha heredado tras la muerte de su marido. La situación económica es muy difícil para ella, así que deciden vivir en esa vieja casa para restaurarla y venderla. Pero cuando llegan todo parece tenebroso y extraño. No tardarán en descubrir que allí vivían hace años unos niños que fueron utilizados para trabajar en una vieja mina y abandonados en una explosión. Estos niños vuelven de la muerte para vengarse.

Típica película llena de tópicos: la chica mayor que conoce a un grupo de jóvenes guapos y que son asesinados mientras se están liando en el coche; la chica que se cae mientras corre y no puede seguir, pero la madre le insiste; la niña pequeña que entabla amistad con uno de los fantasmas; niños muertos o asesinados que regresan a la casa donde vivieron...

En líneas generales podemos decir que Zombies (2006) -dirigida por J. S. Cardone- es ridícula. Lo más grave no es una trama sobadísima y un desenlace de pena; lo peor es que no hay miedo. El maquillaje es tan catastrófico que ningún espectador puede creerse que esos niños sean fantasmas salidos de ultratumba. En realidad parece que se hayan maquillado ellos mismos y hayan salido a hacer una gamberrada. En una película, si los malos son los niños, el espectador tiene que asustarse cuando ve aparecer a uno; pero en esta película es más fácil que el público diga "mira, qué monada de criaturas" antes que otra cosa. Por no hablar, por cierto, de que los niños no son zombies, sino fantasmas.

Siempre digo que para hacer películas de terror tan malas, es mejor no hacer nada. Films como estos hacen que el género de terror quede encasillado en películas americanas estúdicas y el cine de terror es mucho más digno que este bodrio de película.

'Mamma mia!', Phyllida Lloyd

2008-09-22T22:50:00.002+02:00

"So when you're near me, darling can't you hear me, SOS. The love you gave me, nothing else can save me, SOS...". Ésta es una de las letras que Meryl Streep y Pierce Brosnan cantan en la película Mamma mia! (2008), que adapta el musical internacional que en España protagoniza Nina. La película tenía varios ingredientes que llamaban mi atención: en primer lugar ver una nueva versión del musical, después de haber visto en Barcelona la obra de Nina; en segundo lugar, que proceso una profunda admiración por Meryl Streep y me moría por verla cantar; por último, tenía también curiosidad por ver a Pierce Brosnan, a Collin Firth y a Stellan Skarsgard en un género diferente.

Fui al cine, preparado para llevarme una desilusión -teniendo en cuenta que el musical del teatro me encantó a pesar de Nina- ya que obviamente una película no puede provocar tantas emociones como una actuación en directo. Pero confiaba en Meryl Streep y compañía y tenía la esperanza de que no me defraudaran. Y no, no me defraudaron. Aunque la película no pueda compararse con el fenómeno universal Mamma mia!, creo que como comedia musical, el producto es bastante bueno.

Entusiasma ver cómo el reparto más veterano interpreta los éxitos de ABBA con más gallos que afinación, con toda la naturalidad del mundo y sin pretensiones de impresionar con grandes voces. Además, me fascina el maquillaje, precisamente por lo naturales que salen los actores. A Meryl Streep se le ve demacrada, arrugadísima (la mujer ya tiene 59 años), lo mismo que a Pierce Brosnan, que ya no aparece como un galán seductor, sino como un digno cincuentón. Bravo por ellos.

En general, la película es muy fiel al musical, tanto que incluso las coreografías son, en muchas ocasiones, calcadas. También la escenografía/puesta en escena. Imagino que la directora, Phyllida Lloyd, no ha querido arriesgarse a decepcionar al público. Aunque lo cierto sea que habrá opiniones para todos los gustos, creo que la película es bastante respetable y cumple, grosso modo, con las espectativas. Si aguantasteis la sobreactuación de Nina en el musical, no os perdáis a la Donna que interpreta Meryl Streep. ¡Fantástica! ¡Qué mujer!

'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón', Pedro Almodóvar

2008-09-15T01:38:00.002+02:00

Si algo me queda claro después de ver el segundo largometraje que hizo Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), es que el director manchego ha evolucionado favorablemente. Desde que rodara su primera película -con un título tan poco atractivo, como Folle... folle... fólleme Tim (1978)- y esta segunda, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, sus argumentos han cobrado interés. En esta película, Carmen Maura da vida a una joven (Pepi) de un barrio madrileño que tiene que buscarse la vida después de que sus adinerados padres le hayan dejado de mantener. Pepi es forzada por un policía, por lo que como venganza decide contárselo todo a su esposa, Luci (Eva Silva), lo que ha hecho su marido. Pero ésta resulta ser una sumisa que lo único que desea es que la gente que está a su alrededor la maltrate. Pepi le presenta a Bom (Olvido Gara "Alaska", una excéntrica cantante de rock), con la que empieza una relación de sexo desenfrenado.

Quizá una de las escenas más famosas de esta película es cuando Bom (Alaska) se orina en la cara de Luci, mientras ésta saca la lengua mostrando su sed de sumisión. La película es un reflejo de la movida madrileña, la abolición de tabús y la vida sin tapujos. Pero una cosa es mostrar una época concreta y otra muy diferente es caer en el desagrado y el mal gusto. No creo que el espectador tenga necesidad de ver cómo los personajes se orinan unos a otros o se dan de comer los mocos. ¿Es eso la movida madrileña? Yo no la viví, soy demasiado joven para eso y no vivo en la capital, pero si eso fue la movida, ¡menudo asco!

La película no es más que una sucesión de escenas donde la vulgaridad más insoportable se pone de manifiesto. El argumento es insulso: una mujer que necesita que le peguen, una cantante de rock alocada y una chica que viene a ser el enlace entre ambas. No hay mucho más.

Sin duda, los argumentos de sus últimas películas (sobre todo Hable con ella y Todo sobre mi madre) son más atractivos y se nota que hay una historia detrás. Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es un tropiezo nada más empezar que, sin embargo, le permitió seguir trabajando hasta llegar al Almodóvar que es hoy. No entiendo, en cualquier caso, que esta película sea considerado de culto o algo así. Ese calificativo sería inexacto y exagerado.

'El apartamento', Billy Wilder

2008-09-14T19:16:00.001+02:00

He aquí uno de los clásicos del cine: El apartamento (1960). Con Jack Lemmon y Shirley McLaine como protagonistas, la película cuenta la historia de un empleado de una aseguradora que presta su apartamento a sus compañeros para sus escarceos amorosos. Por esa razón, Calvin Clifford Baxter (Lemmon) hace horas extraordinarias en el trabajo hasta que le llegue el momento de volver a su piso, justo cuando el compañero en cuestión lo haya abandonado.

Baxter, un simpatiquísimo y afable galán, se enamora de la chica que conduce los ascensores del edificio donde trabaja, que, casualmente, tiene un romance con el jefe de la empresa. Todo se complicará cuando el jefe se entere de que Baxter presta su apartamento y le pida que él también quiere ocuparlo durante unas horas para llevar a su amante.

Seguramente no todos los clásicos del cine son grandiosas películas. Digo lo de “seguramente” porque no he visto todas los filmes que habría que ver para tener la certeza absoluta. Pero lo que sí puedo afirmar –creo- es que la mayoría reciben la etiqueta de clásico con todo merecimiento. Uno de esos casos es El apartamento, una película con un argumento sencillo pero que ofrece un resultado estupendo.

Jack Lemmon interpreta a un hombre cortés, elegante, trabajador y bueno que es incapaz de decirle que no a un amigo o compañero. Sin embargo, este personaje experimentará un cambio radical hasta el final de la película. Comprenderá, gracias al amor, que no hay que permitir que nadie se imponga por encima de nadie.

Por su parte, el personaje femenino, Fran (Shirley McLaine), cumple el perfil de mujer desdichada, utilizada, pero tan enamorada que es incapaz de cambiar su situación. Solamente con la aparición de Baxter podrá recuperar su vida y su amor.

La película no tiene más argumento que éste, pero es suficiente para que sea un interesantísimo filme que hay que ver y, por qué no, tener en dvd en casa.

'¿Y tú quién eres?', Antonio Mercero

2008-09-06T16:05:00.001+02:00

Ricardo (Manuel Alexandre) es ingresado en una residencia por su familia, mientras duren las vacaciones de estos. La nieta de Ricardo, Ana (Cristina Brondo), se queda en la ciudad para preparar unas oposiciones a notarías. Pero para Ana es prioritario atender a su abuelo y visitarlo a diario. De ese modo, será testigo del declive de su abuelo, que sufre de Alzheimer. La película es, precisamente, el reflejo de una tercera edad afectada por este enfermedad y cómo la sociedad se enfrenta a este tema.

¿Y tú quién eres? (2007) es una película demasiado fácil; tan fácil que es incluso innecesaria. El filme no va más allá que, simplemente, enseñar cómo los ancianos que padecen Alzheimer pierden la cabeza, se orinan encima, no saben cómo se llaman, no saben abotonarse la camisa... Pero no hay nada más allá de esto. No sé si el director y guionista, Antonio Mercero, quería buscar la complicidad del espectador y, de paso, que echase alguna lagrimilla viendo a un entrañable Manuel Alexandre sufriendo una enfermedad degenerativa. Pero no sé hasta qué punto el espectador se habrá dejado llevar por las intenciones de Antonio Mercero.

Si el director solamente quería buscar la lágrima fácil, la película resulta despreciable. Si lo que quería era reflejar la poca atención que reciben los ancianos, quizá podría haberse ahorrado algunas imágenes innecesarias (no hace falta ver a Manuel Alexandre durmiendo en un parque con el pantalón mojado por la incontinencia urinaria). Creo que Antonio Mercero ha abusado de estas escenas dramáticas y ha hecho uso de un humor un poco sonrojante (¿es necesario ver a José Luis López Vázquez paseare con los pantalones bajados para enseñar su bolsa de orina?). Quizá el director dirá que esto es lo que él ha visto en las residencias de ancianos, que esto es el pan de cada día, pero me extraña pensar que así es. ¿Realmente todos los ancianos que están en una residencia pierden la cabeza de ese modo? Además, ¿es normal que el Alzheimer degenere de una forma tan rápida? En unas semanas Ricardo pasa de llevar una conversación casi normal a no reconocerse ni a sí mismo. Yo pensé que esta enfermedad es degenerativa pero lenta... En fin...

'Hable con ella', Pedro Almodóvar

2008-09-06T01:26:00.001+02:00

Nadie discute ya que Pedro Almodóvar es uno de los mejores directores del cine español de hoy. Quizá porque su trayectoria -y su productora- le permiten hacer lo que realmente le apetezca, pero sea como sea, Hable con ella (2001) es una de esas grandes películas del director manchego. Dos años después de que Almodóvar ganara el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa por Todo sobre mi madre (1999), el director se llevó otra estatuilla con Hable con ella, esta vez al Mejor Guión, uno de los platos fuertes de la gala. Y la verdad es que la película tiene un buen guión. Almodóvar sabe cómo hacerlo: sabe dirigir, escribir, tiene muy claras sus ideas y además cuenta siempre con la impresionante música de Alberto Iglesias.

Marco (Darío Grandinetti) tiene una relación con la torera Lydia (Rosario Flores), que, tras sufrir una cogida con un toro, queda ingresada en coma en el hospital donde Benigno (Javier Cámara) cuida de Alicia (Leonor Watling). Benigno tiene una extraña relación con Alicia: él es enfermero y se siente enamorado de Alicia desde que la vio bailar en la academia que hay frente a su casa. El azar hizo que, después de un accidente, ella acabara ingresada en la misma clínica donde trabaja Benigno. Pero a éste se le escapa la situación de las manos y comete una locura de dramáticas consecuencias. Marco empieza una relación de amistad con Benigno, pero aunque Marco quiera, no puede dedicarle más tiempo del que dispone a Benigno.

De algún modo, Benigno es el nexo que mantiene unido a todos los personajes: él cuida de Alicia, se hace amigo de Marco y, de forma indirecta, de Lydia. Luego está el resto del reparto que son básicamente compañeros de trabajo de él, su portera (la maravillosa Chus Lampreave)... Hay, por cierto, un emotivo cameo de Cecilia Roth (Manuela en Todo sobre mi madre) y de Marisa Paredes (Huma Rojo en el mismo filme), haciendo de público en un concierto de Caetano Veloso (ni más ni menos).

La película destila una esencia entrañable. Con un buen director, unos excelentes actores (qué grande Javier Cámara) y un buen guión se hacen películas como ésta: Hable con ella, una película con carácter, un filme sensacional.

'La soledad', Jaime Rosales

2008-09-05T12:25:00.001+02:00

Me pongo a ver esta película con todo el interés que me despierta el hecho de que se llevara el Goya a la mejor película, por delante de otras producciones como El orfanato, de Bayona. Estoy algo así como entusiasmado con la idea de ver una excelente película del cine español, pero a mitad del visionado todavía no sé exactamente de qué va. Una mujer que abandona el pueblo para irse con su niño a Madrid -donde sufre una tentado terrorista-, una chica a la que van a operar de cáncer, la familia de ésta que discute por la venta del piso familiar y el título, La soledad. Veo que las conversaciones que mantienen los personajes son banales, casi vacías, lo cual me hace suponer que el director ha querido reflejar ese ambiente de cotidianeidad. Tanto es así que parece, más que una película, una sucesión de escenas rutinarias típicas de un reportaje televisivo. Es como si el director hubiese decidido dejar la cámara olvidada en diferentes puntos de Madrid para captar el sonido de ambiente, las conversaciones de la gente normal, etc. En las escenas de interior, la cámara se sitúa detrás de las puertas o las ventanas tomando cierta distancia de la acción, apenas hay primeros planos.

A medida que vamos viendo la película, empezamos a entender -con la inestimable ayuda del título- que el eje central es la soledad. Se narra las vidas de distintos personajes -básicamente femeninos- que sienten una gran y profunda soledad. Más allá de eso, no hay nada. No digo esto en sentido negativo; me refiero a que el director -Jaime Rosales- ha querido centrar la atención en la cotidianeidad de unos personajes, en lugar de crear un argumento más complejo. La película podría acabar veinte minutos antes o veinte después, la podríamos empezar a ver a mitad del metraje, al final o al principio. Lo importante es dejarse llevar por los problemas de los personajes. Por eso decía antes que el género nos recuerda mucho a un reportaje.

Dicho esto, creo que darle el Goya a la Mejor Película y al Mejor Director me parece desproporcionado, como si la Academia hubiese querido desmarcarse del cine comercial -El orfanato- y haya querido premiar una película de autor. También me sorprende el Goya a Mejor Actor Revelación a José Luis Torrijo, no porque lo haga mal, sino porque su papel tampoco es que se haga notar demasiado en una película tan repleta de papeles femeninos. La interpretación, en cualquier caso, es lo mejor: impresionante.

La soledad (2007) me ha dejado un sabor bastante soso. ¿Es necesario el cine para reflejar de esa manera ciertos sentimientos humanos? ¿No es suficiente con mirar a nuestro alrededor para que el cine extrapole también esa realidad a la gran pantalla? No es que esto sea nuevo, otros directores como Antonioni o Rohmer ya lo hacían, pero creo que el cine debería exigir un poco más que la simple puesta en escena de la cotidianeidad. Vamos, que esta película es cómo poner el ojo en la casa del vecino y ver qué pasa.

Pero ésta es la típica película que gusta mucho a los críticos y poco a los espectadores. De hecho, la película fue un fracaso en el cine. Sólo después de los Goya, la película consiguió destacar, dado que las salas le dieron una segunda oportunidad con una reposición especial después de los premios.

'Silencio roto', Montxo Armendáriz

2008-08-05T16:05:00.001+02:00

Lucía (Lucía Jiménez) regresa al pueblo de su infancia, donde se encuentra con Manuel (Juan Diego Botto). Éste forma parte de los maquis, la resistencia que vive escondida en el monte y que lucha contra el régimen de Franco. Lucía se muestra inmediatamente abierta a colaborar con ellos, a pesar de el riesgo que eso conlleva para su vida. El encuentro con la dura realidad y el auténtico terror que la Guardia Civil provoca debido a sus crueles fusilamientos son algunos de los obstáculos con los que se encuentra Lucía.

Es difícil demostrar algo con películas de temas tan trillados como la Guerra Civil, la II Guerra Mundial, Auschwitz… Para destacar se puede recurrir a dos métodos: o dar un enfoque nuevo que nunca antes se haya tocado o hablar de lo mismo, pero hacerlo de forma perfecta. El caso de Silencio roto (2001), la película dirigida por Montxo Armendáriz es algo ambiguo en este aspecto. El cine –y la literatura- ya nos ha hablado de los guerrilleros esconcido en los montes, de las relaciones de amor condenadas al fracaso… Por otro lado, el filme no es perfecto.

No significa eso que la película sea fallida. Al director se le ven las buenas intenciones, pero estamos tan acostumbrados a esas escenas, que no nos sorprenden lo más mínimo. Lo peor es que lo que al final de la película ocurre es lo que se espera que vaya a pasar. Cualquier espectador sabe que en una película sobre la Guerra Civil, siempre acaba muriendo alguno de los personajes importantes para dar el máximo dramatismo. Algunos directores cometen el error de conformarse con ese dramatismo y acaban haciendo auténticos bodrios, como el caso de Las 13 rosas de Martínez Lázaro.

Pero lo de Montxo Armendáriz no es un fiasco. De hecho, sólo por la interpretación de Álvaro de Luna, la película ya está salvada. Lo que no me acaba de convencer es la elección de los actores, Juan Diego Botto y Lucía Jiménez. Ambos son buenos actores, pero –es una cuestión personal- no me encajan en un papel tan dramático.

Silencio roto es una de esas películas sobre la Guerra Civil –más concretamente deberíamos decir sobre la posguerra- que no destaca por encima de otras, que simplemente es entretenida. El problema básico de la película, creo, es que se centra demasiado en la historia de amor entre Lucía y Manuel y desaprovecha otros posibles relatos que podrían haber dado mucho más juego. En cualquier caso, lo mejor de la película, sin dudas, es Álvaro de Luna

'300', Zack Snyder

2008-08-02T06:58:00.001+02:00

El rey espartano Leónidas (Gerard Butler) decide hacer frente a la opresión de Persia y de su rey, Jerjes (Rodrigo Santoro). La diferencia de ambos ejércitos es importante en cuanto a tamaño, el de Persia es conocido por tener el mayor batallón y el más peligroso. El de Esparta, en cambio, es mucho más reducido en comparación. A los espartanos se les unen los griegos, que también han decidido luchar contra el rey persa.

La película es una versión moderna de las grandes batallas clásicas: en este caso, la de las Termópilas. En 300 (2006) podemos ver escenas de acción espectaculares, luchas cuerpo a cuerpo con mucha sangre y personajes propios de la ciencia ficción. El rey Leónidas encarna el coraje, la creencia en la victoria, el David frente a Goliat. Jerjes es el rey que se cree dios, incapaz de considerar a cualquier enemigo.

El filme está basado en la novela gráfica de Frank Miller (Sin City) y la verdad es que el director, Zack Snyder, ha sabido captar perfectamente la esencia del cómic traduciéndolo de forma brillante al lenguaje cinematográfico. Porque 300 es una extraordinaria película con geniales ideas. La exageración de la acción y la caricaturización de los personajes (algunos parecen animales más que personas o incluso el propio Jerjes está ingeniosamente dibujado) son brillantes. ¿Será casualidad que algunas imágenes nos recuerden más a un videojuego que a una película? Es suficiente con ver algún fotograma para darse cuenta de ello.

La película es extraordinaria, por su argumento, por la acción, por sus personajes, por el guión, la dirección, la interpretación... Todo es genial.

'La Llorona', Bernadine Santistevan

2008-07-28T01:54:00.001+02:00

Cuenta una antigua leyenda mexicana que una mujer enamorada de un colinizador español, acabó ahogando a los tres hijos que tenía con él porque éste la rechazó para casarse con una española. Tras ahogarlos, ella se suicidó, pero su alma fue condenada a vagar y a llorar por las cercanías del río donde cometió el crimen.

Pero la Llorona -el nombre que recibe el fantasma- ha empezado a dominar a algunas mujeres neoyorkinas. Con sus extraños poderes sobrenaturales, provoca que éstas ahoguen también a sus hijos. El terror empieza a invadir las calles de Nueva York.

Permítanme una irreverencia: ¡aaaaaaaaarggg! ¡puajj! ¡grrr! ¡¡kjkjsdnun!! Vale, ya me he desahogado, me he liberado de la rabia contenida por haber perdido el tiempo viendo este descomunal bodrio. Ahora procedo a la reseña.

La llorona (2007) es un filme de terror donde no hay terror; es algo así como un thriller sin tensión argumental. Ya no solo que la película no dé ningún miedo, sino que todo en conjunto es un cúmulo de despropósitos. Una interpretación deplorable, una voz en off de risa, una trama de escándalo y una dirección de pena. Podríamos hablar de lo mal colocados que están los efectos de sonido, lo flojo que es el guión... Me pregunto cuántos espectadores son capaces de aguantar hasta el final de la película sin llegar a impacientarse.

Tiendo a mencionar lo bueno y lo malo de los filmes, pero es que en este caso, por mucho que me esfuerce, no veo nada positivo. Creo que es más difícil desaprovechar una leyenda tan interesante y aterradora como la de la Llorona, que sacarle partido. Una mente en sus cabales no puede echar por tierra un mito tan potente.

Si quieren aproximarse a la Llorona, no vean esta película, mejor escuchen la canción homónima versionada por Chavela Vargas. No da miedo, pero se te pone la piel de gallina. ¡Eso sí es arte!

'Hiroshima, mon amour', Alain Resnais

2008-07-25T23:38:00.001+02:00

Una chica francesa se encuentra en Hiroshima grabando una película. En su estancia se enamora de un japonés con el que inicia un fugaz romance. Pero la joven actriz deberá regresar a París en cuanto acabe la película y dejar a su amante. En los últimos momentos, se debaterá en si debe abandonar su antigua vida y quedarse en Hiroshima con él o dejarlo y volver a París.

¿Por qué esta película es un clásico del cine? En primer lugar por la dirección: Alain Resnais es uno de los fundadores de la Nouvelle vague, junto con otros nombres como Truffaut. En segundo lugar porque la guionista fue Marguerite Duras. También, claro está, por lo que supuso este filme para la historia del cine. Resnais consiguió con Hiroshima, mon amour activar una narratología cinematográfica diferente, rompiendo la linealidad de la historia gracias a diversos flash backs, que, en este caso, unen la tragedia del pasado con la angustia del persente. Si juntamos Duras, Resnais y Nouvelle vague, ya tenemos tres ingredientes infalibles para considerar esta película como un clásico.

Pero más allá de estos aspectos artísticos y técnicos, lo demás resulta bastante insustancial. Hiroshima, mon amour (1959) es, algo así, como un guiño a Casablanca (Michael Curtiz), pero al estilo de la Nouvelle vague. La película de Resnais está llena de referencias al filme de Curtiz. De hecho, el último bar donde se encuentra la pareja se llama Casablanca. Las historias de ambas películas son bastante semejantes. Podríamos decir que Resnais reinterpretó a Curtiz.

La diferencia entre ambas películas es que Casablanca es una maravilla y el de Resnais brilla más por la técnica que por el contenido. Se nota que hay una historia de amor intensa marcada por la tragedia del pasado, pero no acabamos de profundizar demasiado en ella. Él guión se limita a la repetición de esos traumas, del terror en Hiroshima cuando cayó la bomba atómica, pero la relación entre los personajes no avanza demasiado en toda la película. Da la sensación de que llegados a cierto punto, el filme se estanca y lo demás podría ser prescindible. El desenlace no es, tampoco, para echar cohetes.

No me extraña que Hiroshima, mon amour no me haya seducido, si tenemos en cuenta que jamás me gustaron las historias de Marguerite Duras. Esperaba que, escribiendo un texto para el cine, sabría darle más fuerza que a sus novelas, pero la película está llena de pretensiones sin que se colmen todas las expectativas. Claro que estamos hablando de la Nouvelle vague, de Duras y Resnais y ya por eso parece que debamos decir que estamos ante una obra maestra. Personalmente creo que está sobrevalorada. Mucho mejor es, para mí, Los cuatrocientos golpes de Truffaut.

'30 días de oscuridad', David Slade

2008-07-21T17:39:00.001+02:00

En una ciudad perdida de Alaska, donde la noche dura treinta días consecutivos debido a un fenómeno natural, una banda de vampiros amenaza a sus pacíficos habitantes.

A partir de estas breves señas, lo demás es lo de siempre: los vampiros no pueden soportar la luz, para matarlos hay que cortarles la cabeza, algunos habitantes no mueren pero se convierten al vampirismo... Y, por supuesto, los tópicos de siempre del cine de terror: todo el mundo hace acopio de gran heroísmo, a nadie le importa morir por el resto del grupo, los vampiros corren a gran velocidad cuando persiguen a los personajes secundarios, pero no cuando van detrás de los protagonistas y bla, bla, bla...

Imagino que debe ser difícil hacer una película de vampiros sin caer en tópicos o sin repetir los argumentos que el cine ya ha sobado demasiado. Pero una cosa es no ser original y otra es la capacidad de hacer una película medianamente digna.

30 días de oscuridad (2007) es, por un lado, insoportable porque el director -David Slade- no aporta nada nuevo y, para colmo, no sabe aprovechar el legado que la historia del cine ha dejado al género de películas de vampiros. No es aceptable jugar con la paciencia y la ingenuidad del espectador. Ni nuestra paciencia es ilimitada ni somos tan ingenuos. Un desastre de película.

'The last kiss', Tony Goldwyn

2008-07-19T23:07:00.001+02:00

Un joven que está a punto de tener un hijo con la chica que ama se encuentra con que su vida está demasiado definida. No quiere pensar que cuando tenga el niño, su existencia empezará a estar demasiado encarrilada. La necesidad de apearse un momento de su vida, lo lleva a tener una aventura con una chica que acaba de conocer. Pero el desliz le sale mal, su novia lo descubre y él se verá abocado a un desastre sentimental: por temer la demasiada estabilidad de su relación, acaba poniendo en juego su futuro con su novia.

The last kiss (2006) es el remake americano de la película italiana L'ultimo bacio (2001). Es difícil adaptar una comedia dramática italiana al estilo de las producciones norteamericanas. Al menos, la esencia cambia radicalmente. Cuando pienso en este tipo de géneros y pienso en el cine italiano, asocio rápidamente las películas con el cine de calidad (a veces fallo). Pero si pienso en una comedia dramática y la palabra Hollywood, me viene a la mente la palabra bodrio, desastre... Lo que es lo mismo, que The last kiss es una película más del cine estadounidense, que nada aporta y que, personalmente, nada conmueve. Es más, algún fallo debe haber cuando los personajes secundarios (genialmente interpretados por Tom Wilkinson y Blythe Danner) aportan más carga emocional a la película que la historia principal.

Tras haber visto esta película siento que no me ha dejado nada. Una historia sosa, quizá motivado por personajes excesivamente estereotipados (¿sería una estupidez decir demasiado americanos?). El filme intenta mostrar una historia de amor potente, pero queda tan enterrada entre tanta superficialidad y tontería, que el espectador se pierde con la paja sin encontrar el verdadero sentido de la película (¿cuál era realmente?).

'Volver a empezar', José Luis Garci

2008-07-18T03:02:00.001+02:00

Antonio Miguel Albajara (Antonio Ferrandis) acaba de ganar el Premio Nobel de Literatura. Tras recogerlo decide pasar por su ciudad natal, Gijón, antes de regresar a Estados Unidos, donde imparte clases en la Universidad de Berkeley. En Gijón se encuentra con su pasado (un antiguo amor, sus amigos de siempre y sus viejos compañeros de fútbol). Todo parece seguir como antes excepto él, Antonio Miguel Albajara.

Siempre he dicho que con Garci hay que ir con cuidado. Es un director que trabaja mucho los guiones, siente la auténtica esencia del cine y se centra en lo que realmente importa: la historia. Pero muchos lo acusan de hacer películas extremadamente lentas.

¿Debería entender como "película lenta" que el filme carece de acción? ¿Que es un largometraje donde lo importante son los diálogos, los personajes a fin de cuentas? José Luis Garci siempre demuestra que tiene algo que decir con sus películas. Admiro su respeto por el texto, es fascinante. Quizá el mejor ejemplo de su producción sea precisamente Volver a empezar (1982), una maravillosa película que le valió el Oscar en la categoría de Película de Habla No Inglesa.

Ya no únicamente el guión es muy bueno, sino que lo es la brillantísima interpretación de Antonio Ferrandis. Y, ya que estamos, la de Agustín González y Encarna Paso. La película no chirría en ningún momento, es un drama que encierra más ternura que tragedia.

José Luis Garci, a pesar de lo que digan muchos, jamás me ha decepcionado. En sus filmes se le nota un tío que sabe lo que quiere contar y cuál es el auténtico espíritu del cine. En sus guiones nunca hay sólo un texto; siempre hay un texto y algo más en el fondo. Me gusta lo que transmite Garci, la sensación que deja. ¿Por qué el cine español ya no hace películas como estas?

'Ahora o nunca', Rob Reiner

2008-07-18T01:48:00.001+02:00

Edward Cole (Jack Nicholson) y Carter Chambers (Morgan Freeman) son dos enfermos terminales de cáncer. Ambos se encuentran en la habitación de un hospital. Uno es un gruñón insoportable -Cole-, el otro es un tipo agradable -Chambers-, pero entre los dos surge una fuerte amistad. Cuando les comunican lo que les queda de vida, deciden elaborar una lista conjunta de cosas que hacer antes de morir. A pesar de la edad avanzada que tienen, inician una aventura por el mundo para probar las experiencias que siempre habían querido sentir y nunca habían hecho.

Imagino al guionista de la película -Justin Zackham- cuando pensó en esta película: "voy a escribir un guión sobadísimo, donde dos enfermos a punto de morir plantean hacer una lista de cosas que no han hecho nunca; muchas de ellas serán auténticas locuras, lo que enternecerá al público. Además, escribiré escenas para buscar la lágrima fácil del espectador. Como al final los dos morirán, porque es obvio, seguro que la complicidad del público con la película será total.

E imagino al director (Rob Reiner): como al público le entusiasman las películas y series sobre hospitales, intentaré regodearme en el dolor ajeno. Pondré algunas escenas donde se vea la sangre, donde se rompa un catéter, haré que a los actores les den espasmos, escupan sangre... Seguro que el público se conmoverá con estas escenas.

Y, por supuesto, la elección de los actores no sería casual: un par de tíos buenos de verdad, que con sus actuaciones destrocen el corazón del respetable. Nicholson y Freeman, por supuesto.

El resultado era lo que no podían esperar: Freeman y Nicholson lo bordan, pero la película es despreciable. Ya no sólo por lo trillado de este guión, sino porque no entiendo la necesidad del director de ahondar en el dolor de unos enfermos de terminales de cáncer. Se podría haber hecho esta misma película con un poco más de distancia sobre el tema, pero no, al señor Reine se le ocurrió que había que hacerlos vomitar después de pasar por la quimioterapia. Quería el drama fácil. Me pregunto qué pensarán los verdaderos enfermos de cáncer. ¿Realmente hay que hacer espectáculo gratuito sobre este tema?

Pero aparte de esto, resulta que el filme no es más que la vuelta al mundo de este par de personajes. Parte uno: diagnóstico; parte dos: vivir a tope; parte tres: muerte. No desvelo nada, ya al principio se sabe que van a morir. Los personajes se pasan una parte de la película en el hospital y la otra yendo de un sitio a otro sin profundizar demasiado en cada uno de los viajes.

Si lo que pretendían el guionista y el director era crear una película fácil, donde la tragedia se masca en el primer minuto, la verdad es que les ha salido el tiro por la culata. Lo dicho, una película despreciable hasta el extremo.

'Crank', Mark Neveldine y Brian Taylor

2008-07-16T18:10:00.001+02:00

Chev Chelios (Jason Statham) es un asesino a sueldo que, al despertar una mañana, descubre que le han inyectado un veneno mortal en la sangre. Solamente le queda una hora de vida. Chelios decide que lo mejor que puede hacer en ese corto espacio de tiempo es matar al que lo ha envenenado. Empieza así una hora de acción y persecuciones entre dos asesinos con un objetivo: conseguir un antídoto o morir matando.

Crank (2006) es una extraña mezcla de thriller, cine de acción y comedia. Lo malo es que las efectos especiales no son del otro mundo, la trama es bastante simple y lo cómico destaca más por lo absurdo que por lo ingenioso.

La verdad es que la película no tiene mucho más que comentar. Para los que les guste la acción, podrán pasar un rato más o menos ameno, pero poco más. A los que no les guste este genero, seguramente no será ésta la mejor oportunidad para reconciliarse con el cine de acción.

A mí se me hizo un filme bastante pesado y sin gracia. Aunque los directores -también guionistas- intentaron ser originales, el resultado no acaba siendo demasiado seductor.

'The Eye', Oxide Pang Chun y Danny Pang

2008-07-15T17:24:00.002+02:00

Una joven se somete a una operación para recuperar la vista. Cuando por fin puede ver, se encuentra con un mundo de sombras en el que puede averiguar quién está a punto de morir. La joven descubre que las córneas que le han trasplantado son el problema. Con la ayuda del doctor Wah intentará averiguar qué ocurrió con su donante.

Ya de por sí el argumento me resulta poco convincente: una chica ciega que, al operarse, puede ver la muerte de los demás. Uff... ¿Esto de presentir la muerte ajena cuántas veces se ha tocado en el cine? Muy buena tenía que ser la película para despertar mi interés, aunque eso sí, la vi sin prejuicios, con la atención que me merece el cine de terror asiático. Pero no, el filme acaba siendo un despropósito, un aburrimiento.

Analicemos lo que ocurre: operan a la chica, empieza a ver las muertes (sin demasiados detalles, simples flashes), contacta con el doctor y van a la casa de la donante de córnea. Poco más; un guión simplón, carente de terror y donde el único miedo que puede sentir el espectador es el de los efectos de sonido (que, dicho sea de paso, son un desastre).

El resultado de ver The Eye (2002) es la completa pérdida de tiempo, el tedio más insoportable y la sensación de que la película ha durado una eternidad.

'Las hermanas Bolena', Justin Chadwick

2008-07-15T00:06:00.001+02:00

María (Scarlett Johansson) y Ana Bolena (Natalie Portman) disfrutan de una vida de campo hasta que el tío de ellas decide que Ana seduzca al rey Enrique VIII (Eric Bana) de Inglaterra. El rey ve cómo su esposa no le da un heredero al trono, lo que puede llevarle a buscar una joven amante. Precisamente por esa razón, el tío de María y Ana piensa que esta última puede ser la persona ideal para calentar el lecho real y así conseguir ciertos privilegios.

Pero Enrique VIII pondrá sus ojos en María Bolena, recién casada. La ambición del padre y del tío de las jóvenes y la lucha entre las hermanas por ser la amante del rey pondrán en jaque a un monarca enamoradizo, capaz de romper con la Iglesia y con el pueblo de Inglaterra.

Siendo una trama tan entretenida como apasionante (nada más y nada menos que los amoríos de Enrique VIII), es una lástima que Justin Chadwin no haya sabido hacerlo mejor en esta película. Para empezar, no me convence la elección de las actrices. ¿Qué quería aportar realmente poniendo a Scarlett Johansson y a Natalie Portman como protagonistas? Parece demasiado obvio que en realidad quería ganarse a un porcentaje del público ya de entrada. Cuesta creerse sendos papeles, no porque Jihansson y Portman lo hagan mal -no es el caso-, sino porque no me acaban de encajar estas dos actrices como las hermanas Bolena, a menos que fuera un pretexto para suscitar el morbo del público masculino de ver cómo dos tías buenas se disputan al rey. Rey, que por cierto, no acaba de definir su personalidad. En un principio parece más el principe de Beckelar -un tipo dulzón, enamoradizo, bueno y tierno-, pero de repente se convierte en un Enrique VIII que no le tiembla el pulso para poner el cuello de sus esposas en manos del verdugo. Se pasa demasiado rápido de un extremo a otro.

Además, con Eric Bana ocurre lo mismo que con Johansson y Portman. ¿Por qué escoge a un rey apuesto, guapo, de esos que levantan el deseo de las jovencitas? ¿No era Enrique VIII un rey gordo y feo? Chadwick se acerca más a una obra de teatro de instituto americano que a un auténtico drama de época. Es lo que ocurre cuando se piensa más en en el público que en la película misma.

Y es una lástima, porque Las hermanas Bolena (2008) es una película entretenida. Pero insisto, no por mérito del director, sino porque el filme narra un turbulento episodio de la historia de la corona británica realmente apasionante. Por lo tanto, estamos ante un producto pasable lleno de torpezas de un mal director que se deja llevar demasiado por la sensualidad de las actrices para gustar a todos los públicos.

'La joven del agua', M. Night Shyamalan

2008-07-14T02:54:00.001+02:00

Cleveland (Paul Giamatti), un empleado de mantenimiento de un edificio de pisos descubre que en la piscina habita una ninfa de agua (Bryce Dallas Howard). Desde ese momento, Cleveland no descansará hasta averiguar cómo puede ayudar a la ninfa a devolverla al lugar de dónde procede.

El argumento es tan sencillo como insulsa es la película. M. Night Shyamalan tiene la extraordinaria facultad de hacer que sus películas sean siempre un poco peor que la anterior. La mayoría de espectadores lo empezó a conocer con El sexto sentido, película que triunfó en los cines y de cuya calidad no discuto. Un año después pudimos ver El protegido, una película que a mí me entusiasmó, pero que no tuvo el apoyo masivo de la anterior. Otro año después rodó Señales, con la que se daría el gran traspiés. Con El bosque hizo una película arriesgada; a la crítica le gustó, a mí me entretuvo bastante y reconozco en ella una idea original aunque inverosímil. Hace dos años pudimos ver La joven del agua (2006), una de las más insufribles películas que se pudieron ver en las salas en 2006.

A pie entre el más facilón cuento infantil y el peor cine fantástico, La joven del agua no consigue en ningún momento dar el más mínimo síntoma de credibilidad. Por muy fantástica que sea la película, siempre debe dejar margen para que el espectador pueda soñar con que esa historia es real. Ni de lejos, el filme resulta demencial, insostenible, inaguantable. ¿Tanta prisa tenía Night Shyamalan por escribir un guión? ¿De verdad estaba dispuesto a hacer una película sin detenerse un instante a revisar lo que quería explicar?

Después de La joven del agua, llegó El incidente, una película casi igual de desquiciante. Seguiré viendo las películas de M. NIght Shyamalan porque no puedo creer que no sea capaz de recuperar la senda perdida. Queda la esperanza.

'La zona', Rodrigo Plá

2008-07-12T12:19:00.001+02:00

En una urbanización de una ciudad indeterminada de México se produce un asalto a mano armada. Ese lugar residencial se conoce como La zona (un núcleo de casas con grandes medidas de seguridad y donde aplican su propia justicia). Todo lo que ocurre dentro de la zona se queda ahí: tienen sus propios vigilantes, todos van armados y si alguien se atreve a asaltar alguna casa, se arriesga a no salir jamás de ahí.

Tres jóvenes deciden una noche entrar a robar a una de las viviendas, pero se les va de las manos y matan a la inquilina. La lucha por escapar con vida de la urbanización será lo que más preocupe a Miguel, un joven delincuente de 16 años que poco importa a la policía.

En pocas palabras: Rodrigo Plá ha escrito y dirigido una genial película. La zona (2007) consigue hacer partícipe al espectador de la angustia del adolescente atrapado en la urbanización, pero también suscita el odio hacia otros personajes (como los interpretados por Marina de Tavira o Carlos Bardem) e incluso anima a la ternura con determinadas escenas. Es decir, una película fantástica.

Pero además hay un trasfondo que no se puede negar y es la corrupción policial. Los residentes de la zona pueden hacer lo que quieran porque tienen dinero. La justicia no es para ellos; ellos tienen sus leyes. Un comentario de una mujer desesperada a un policía: "¿cuánto te han pagado por la vida de mi hijo?".

La zona es una película estupenda, sin salvedades. Hay que verla y dejarse llevar por la peligrosa realidad que encierran los muros de esa urbanización y lo que excede de ellos.

'Love Actually', Richard Curtis

2008-07-12T02:31:00.001+02:00

Love Actually (2003) -dirigida por Richard Curtis- es una película coral donde se entrecruzan varias historias con personajes enamorados como eje conductor. Uno es el Primer Ministro británico -Hugh Grant-, que se enamora de su encargada de catering; otro es un hombre viudo -Liam Neeson-, que más que atender sus problemas sentimentales, debe ocuparse de los problemas amorosos de su hijo de pocos años; también tenemos a un ejecutivo -Alan Rickman-, que se deja llevar por una de sus secretarias, a pesar de que está felizmente casado; un escritor -Colin Firth- que está dispuesto a sacrificar su vida por el amor de su sirvienta con la que no se entiende porque es portuguesa y no hablan el mismo idioma...

No son las únicas historias que se entrelazan, hay más. Love Actually es una comedia romántica entretenida, con un reparto de lujo (Hugh Grant, Alan Rickman, Emma Thompson, Liam Neeson...). Aunque una película como ésta siempre es arriesgada porque no tiende a gustar a todo el mundo (algunos acusan el exceso de tono romántico y otros no participan de los momentos cómicos), el resultado es bastante bueno. Además es arriesgada porque en el argumento se dan las historias de amor en un contexto navideño, lo cual puede pecar de exceso de empalago, pero no es así. Los que odian las comedias románticas, no lo pasarán bien con ésta; pero los que no tienen prejuicios, seguro que reirán y se emocionarán con algunas de las historias que se cuentan. Sobre todo porque los actores lo hacen realmente bien.

Es una película sencilla, sin más pretensiones que hablar del amor con un tono más simpático que dramático. Lo que decía: una película entretenida, para sonreír con unos personajes cómicamente sometidos a una necesidad incontrolable de amar.

'Los cronocrímenes', Nacho Vigalondo

2008-07-10T22:09:00.001+02:00

Primer largometraje de Nacho Vigalondo, que en 2003 fue nominado al Oscar por su cortometraje 7:35 de la mañana. Los cronocrímenes (2007) relata una rara historia de viajes en el tiempo y de crímenes, como se puede interpretar por el título. Héctor, un hombre que acaba de instalarse en su nueva casa con su esposa, llega a un laboratorio cuando es perseguido por un extraño tipo con la cara vendada. En ese centro experimental se trabaja con un prototipo que puede transportar a las personas en el tiempo. Héctor, asustado y desconcertado ante la presencia de su perseguidor, no duda en ocultarse en el interior de la máquina, sin saber de los peligros que corre al hacerlo. Cuando se da cuenta de lo que acaba de ocurrirle, ya es demasiado tarde para volver atrás.

De este largometraje hay que remarcar un aspecto muy bueno y otro muy malo. El bueno es que el guión es genial, brillante, sorprendente. Vigalondo -que ha escrito y dirigido la película- ha demostrado con Los cronocrímenes una extraordinaria capacidad para escribir guiones retorcidos donde ningún cabo queda suelto; hasta el más mínimo detalle tiene sentido en la película. En el filme se riza el rizo hasta el extremo; se dan tantas vueltas de tuerca, que parece que en cualquier momento la película se va a venir abajo. Pero no, Vigalondo consigue mantener al espectador atento a la pantalla con una historia que, aunque dentro de los márgenes de lo fantástico, resulta bastante creíble.

Lo malo es que no se puede ceder todo el peso de la película a un actor protagonista como Karra Elejalde, que en esta película tiene una actuación bastante mediocre. Si el filme en algún momento corre el riesgo de tropezar es por culpa de la interpretación de Elejalde. Ya desde el principio, vemos a un actor sobreactuado, con un tono y unos gestos que ayudan muy poco a crear esa atmósfera de tensión que requiere la película. Es un papel difícil, porque el mismo actor debe interpretar diferentes personalidades y Elejalde no sabe desenvolverse bien en él. La interpretación en Los cronocrímenes es sumamente importante, sobre todo cuando el reparto se limita a cuatro actores. Incluso el propio Vigalondo, que aparece en la película, hace un mejor trabajo que el protagonista.

Como primer largometraje, Nacho Vigalondo ha sabido resolver con bastante acierto un guión brillante y complejo con una dirección más que correcta. Teniendo en cuenta lo difícil que lo tuvo para encontrar distribuidora para su película a pesar del éxito de la proyección en festivales como el de Sitges, Vigalondo ha sabido aprovechar la oportunidad que le brindó la nominación al Oscar en 2003 para empezar una prometedora carrera como director de largometrajes.

'Par-Impar', Sergio Corbucci

2008-07-09T02:39:00.001+02:00

Cómo me gustan las películas protagonizadas por Bud Spencer y Terence Hill. Esos puñetazos dados al aire que hacían que los delincuentes cayeran como moscas, esos golpes con la mano abierta que dejaban noqueado con sólo rozar... La fuerza bruta, el cuerpo a cuerpo. Aquello sí que eran películas de espionaje. Nada de efectos especiales, un par de puñetazos bien dados al aire (a pocos centímetros de la cara de los golpeados) y podía caer una banda de delincuentes. Daba igual que fueran veinte, treinta o cincuenta; los personajes interpretados por Spencer y Hill acababan con ellos.

Todo ser viviente aficionado al cine tiene una película o varias que han marcado su infancia y que sentiría cierto rubor de decir cuáles. Son esos dvd's que vemos en las tiendas y que cogemos con disimulo, mirando a los lados, para que nadie piense: "vaya películas se compra este tío". Pero yo reivindico el derecho a comprar los dvd's de Bud Spencer y Terence Hill. Seguro que Tarantino me entendería; es más, no me extrañaría que algún día hiciera alguna película inspirándose en estos dos actores.

La película Par-Impar (1978), dirigida por Sergio Corbucci, cuenta cómo un miembro de la marina, Johnny (Terence Hill) debe llevar a prisión a una banda de estafadores. Para ello necesita la ayuda de un ex jugador, Charlie (Bud Spencer), que en su día ganó al capo de la banda. Pero Charlie no está dispuesto a volver a apostar, por lo que Johnny deberá inventarse una historia para que le ayude.

Las tramas son muy parecidas en todas las películas de Spencer y Hill, incluso en muchas de ellas los actores son los mismos (protagonistas y secundarios). Éste es uno de los filmes que más me gustan de esta pareja de héroes cómicos. Y es que hay que ver los recursos que tienen Charlie y Johnny para vencer a la banda de delincuentes: uno habla el delfinés (lenguaje de los delfines), otro el gaviotés (lenguaje de las gaviotas)... ¿No son recursos tan ridículos como desternillantes?

Quizá no sean obras maestras -lo admito-, pero nadie dudará de que tienen un rinconcito asegurado en la historia del cine. Valga este post como homenaje a esta pareja de actores: Bud Spencer y Terence Hill.

'Carros de fuego', Hugh Hudson

2008-07-08T00:00:00.001+02:00

De vez en cuando ocurre que auténticos fenómenos cinematográficos acaban siendo magnificados por determinadas situciones o razones. Es decir, algunos filmes pasan a la categoría de clásicos sin saber exactamente porqué.

Carros de fuego (1981) es uno de esos casos. El argumento es sencillo a más no poder: un grupo de universitarios británicos lucha por conseguir ganar las pruebas de atletismo en los Juegos Olímpicos. Toda la película es la preparación física, los entrenamientos, las conversaciones sobre las pruebas... Al final ocurre lo que tenía que ocurrir. Es decir, no hay nada imprevisto en la narración. Resulta un guión bastante lineal.

Tan lineal que incluso hay momentos en que llega a aburrir de forma pasmosa. Uno tiene la sensación de que en los 123 minutos que dura la película no ocurre nada. La prueba es que el argumento se puede resumir en apenas unas líneas. Aunque se pretende centrar la atención en dos personajes concretos, la verdad es que el guión en ningún momento consigue entusiasmarnos con ninguno de ellos.

De hecho, parece que el éxito de la película se deba a su impecable banda sonora, a cargo de Vangelis. Seguro que hay más gente que conoce la película gracias a la música que al revés. En cualquier caso, me atrevería a decir que el tema principal de la banda sonora está mal ubicado en la película. En lugar de dejarla para el final, como colofón y explosión a tantos meses de entrenamiento, prefieren ponerla justo al principio, cuando la película apenas ha empezado y el espectador casi no tiene contacto con el argumento. Una baza mal aprovechada.

La película no es mala, de ningún modo, pero creo que se podría haber dirigido mejor. Podría haberse sacado mejor partido con este filme. En resumidas cuentas, me ha parecido una película correcta, pero bastante sosa.

'Wolf Creek', Greg McLean

2008-07-06T02:24:00.001+02:00

Dos chicas británicas y un chico australiano deciden hacer un viaje por carretera al cráter de Wolf Creek. Cuando llegan, abandonan el coche y se marchan a una caminata de tres horas. Al regresar, descubren que el vehículo no funciona. En mitad de la noche aparece un tipo extraño con una camioneta que les ofrece ir a su campamento para arreglar el coche. Pero cuando llegan allí verán que su salvador es en realidad un sádico asesino de turistas.

¿Han escuchado alguna vez un argumento similar? Seguro que lo primero que les viene a la cabeza a los aficionados al cine de terror son las películas de Hostel, de Eli Roth. Pero hay muchos más títulos. Esto significa que el argumento está trilladísimo. Para empezar, ya es u gran handicap.

Hace tiempo elaboré un top 10 de los tópicos del cine de terror:

1. Si víctima y asesino se encuentran en un sitio público, en ese momento nadie se cruzará con ellos. El asesino podrá campar a sus anchas.

2. Si la víctima tiene dos o tres salidas posibles, siempre tomará la más peligrosa y difícil. Eso sí, al protagonista es el único personaje al que no pillan nunca.

3. En las primeras escenas, si aparece alguien con capucha y actitiud siniestra, que nadie se asuste anticipadamente, siempre es algún familiar o amigo que se ha levantado en mitad de la noche para ir al baño o para beber un vaso de agua.

4. Al protagonista nadie le creerá, ni siquiera la policía, así que el sentido del deber hará que él mismo quiera demostrar el mundo lo que ocurre en un lugar determinado (en este caso, una casa).

5. Si en una escena aparece el asesino y, de repente, cruza por delante un autobús, después no habrá ni rastro del susodicho. Lo mismo ocurre si a pocos metros de la víctima está el asesino, la víctima agacha un momento la cabeza y cuando la levanta ya no está. El asesino, aunque siempre vaya caminando -nunca corriendo-, siempre es rápido de movimientos.

6. Si el protagonista tiene algún problema de salud tipo asma, lo primero que perderá será el inhalador. Es infalible. Eso sí, según en qué situaciones, el inhalador es más imprescindible que en otras.

7. Si la víctima tiene a tiro al asesino, jamás lo rematará, siempre le dará la oportunidad de que se levante y acabe con él/ella.

8. Por muy mal que lo haya pasado el protagonista -víctima directa o indirecta- en el lugar del crimen, siempre volverá.

9. Si en algún momento de la película el teléfono móvil es determinante, siempre estará apagado o fuera de cobertura.

10. Al final de la película siempre habrá algún pequeño cabo suelto para dejar al espectador con ganas de más.

Si analizamos Wolf Creek (2005), dirigida por el australiano Greg McLean, veremos que se cumplen los tópicos 1, 2, 4, 7, 8 y 10. Lo suficiente para que la impaciencia se apodere del espectador. ¿Por qué al asesino nunca se le remata? ¿Por qué un coche no enciende a la primera cuando se pretende huir? ¿Por qué en situaciones de tensión, si hay que abrir una puerta, las llaves se caen, cuesta encontrar la correcta...? ¿Por qué el asesino acaba anticipándose a los movimientos de sus víctimas con tanta facilidad? ¿Por qué los personajes están tan estereotipados?

Tópicos aparte, hay que decir que el ritmo de la película es bastante irregular. La primera parte, la del road movie, es insoportable. Minutos y minutos de viaje, de conversaciones estúpidas, de banalidades... Qué sopor... Seguro que Tarantino quiso reírse de todo esto cuando rodó Death Proof. La segunda mitad es lo más inquietante, con escenas de tortura y sangre. Es el momento en el que aparece el asesino, con una gran interpretación de Nathan Phillips. El desenlace no destaca por su brillo, pero podría ser peor.

De hecho, esa es la sensación que queda con la película: no es que mate, pero podría ser peor.

'La intérprete', Sydney Pollack

2008-07-05T23:30:00.001+02:00

Silvia Broome (Nicole Kidman) es intérprete de la ONU. Una noche que olvida algo en su oficina escucha cómo se está preparando una conspiración para asesinar al presidente de la repúblicana sudafricana donde ella nació. El presindente africano, un viejo dictador y genocida, llega en unos días a la sede de las Naciones Unidas para dar un discurso. El detective de los servicios secretos estadounidenses, Tobin Keller (Sean Penn), será el encargado de evitar que se produzca el asesinato y proteger a Silvia Broome de los conspiradores.

La intérprete (2005) es el inquietante thriller dirigido por Sydney Pollack y protagonizado por dos grandes actores: Nicole Kidman y Sean Penn. La película es bastante entretenida, con un giro en el guión bastante interesante y poco previsible. La lástima es que al querer dar la última vuelta de tuerca, en los últimos minutos, la película pierde credibilidad. El desenlace no logra culminar la buena marcha del desarrollo.

Lo que tampoco me acaba de convencer es la relación entre Silvia Broome y el agente Tobin Keller (Kidman/Penn). Keller se muestra como un tipo duro, impermeable, pero se deja llevar demasiado rápido por una especie de enamoramiento de Silvia. Tiene la lágrima demasiado fácil y eso no corresponde al perfil del personaje que interpreta. Keller aguanta menos que la mantequilla al lado del fuego. Eso no quita, por supuesto, que la interpretación de Sean Penn sea genial, porque realmente lo es; igual que la de Kidman. Son dos actores de altura que dan la talla. El problema es quizá cierta irregularidad en el guión.

La sensación final es que la trama principal está, en líneas generales, bien hilvanada. Pero los diálogos que van más allá de la narración principal, es decir, las historias personales de Silvia y Tobin, resultan un tanto superficiales y poco consistentes. No obstante, el resultado es bastante aceptable. Pollack pudo hacer más, pero se conformó con una película entretenida.

'El golfo', Vicente Escrivá

2008-07-04T12:12:00.001+02:00

En 1968, Vicente Escrivá dirigió El golfo, la tercera película protagonizada por Raphael. En esta ocasión el cantante encarna a Pancho, un joven de Acapulco que sobrevive gracias a pequeños hurtos y breves actuaciones para los turistas en la playa. Un día llega a Acapulco Mary O'Hara, una ejecutiva americana cansada de su vida rutinaria. Aunque O'Hara solamente va a disfrutar de un descanso, no podrá resistirse a los encantos de Pancho.

Las películas protagonizadas por Raphael están cortadas todas con el mismo patrón. Empiezan con el artista cantando y acaban del mismo modo. La última actuación siempre supone una evolución respecto a la primera. En los últimos minutos del filme, el protagonista ve cómo su historia de amor da un giro inesperado, por lo que esa última canción remite inevitablemente al fracaso sentimental.

En 1966, Mario Camus dirigió Cuando tú no estás, en 1967 Al ponerse el sol. En 1968 fue Vicente Escrivá quien dirigió El golfo. Es curioso cómo Raphael empeora en cada una de las películas. Su interpretación se hace cada vez menos creíble, más sobreactuada e insoportable. Además, el empeño de los directores por hacer de Raphael un ligón irresistible para las mujeres se hace absolutamente indigerible: no puedo creerme el personaje, veo a un tipo afeminado que se lleva a las mujeres de calle. Y en cada película se le ve un poco más amanerado. ¡No me creo sus historias de amor!

Por lo demás, la verdad es que esta película es bastante aburrida. Hay demasiadas actuaciones de Raphael, muchas de ellas no vienen a cuento con el argumento. En una buena parte de la película, cada pocos minutos Pancho se desata y empieza a cantar. No era necesaria tanta actuación que sobrecarga la marcha de la película.

El guión en sí es bastante flojo, una historia sin demasiado interés. Una americana (con perfecto español) llega a un Acapulco donde los hombres encarnan la peor esencia cañí, ese chulerío español del "oye, muñeca", del agarrar fuerte a la chica y besarla sin dejar que se resista y, claro está, que ella se deje llevar por esa hombría española. ¡Qué indigesto!

Para los espectadores de finales de los 60, quizá la película fuera un éxito solamente por estar protagonizada por Raphael. En la actualidad, esta película sólo triunfaría en la sesión de tarde de Cine de Barrio. En pleno 2008, Raphael empalaga bastante. Mario Camus supo suavizarlo con un guión aceptable; Vicente Escrivá no.

'Planet Terror', Robert Rodríguez

2008-07-02T00:13:00.002+02:00

Bajo el título genérico de Grindhouse, Quentin Tarantino y Robert Rodríguez acordaron hacer una película dividida en dos partes, que sirviera para rendir homenaje a las películas de terror de serie B de los años 70. Es decir, hacer un tributo a aquellos filmes con increíbles escenas llenas de sangre y con efectos especiales propios de producciones de bajo presupuesto. Grindhouse es, precisamente, el nombre que recibían las salas americanas donde se proyectaban este tipo de películas.

El proyecto de Tarantino y Rodríguez es una película en dos partes, aunque en España se estrenó como dos filmes por separado y de mayor extensión. La de Tarantino fue Death Proof (2007) -protagonizada por Kurt Russell- y la de Robert Rodríguez Planet Terror (2007).

Esta película relata cómo un virus ha empezado a contagiar a los seres humanos. Los efectos son peligrosos: convierte en zombies a aquellos a los que contagia. De ese modo, la gente empieza a perseguir y a comer personas, llenando las calles de sangre y terror. Un grupo formado por una streaper a la que le falta una pierna, una enfermera amenazada por su marido, un detenido, un cocinero en busca de la salsa perfecta... lucharán por sobrevivir a la amenazan zombie.

Robert Rodríguez consigue acercarse al máximo al cine de terror de serie B de los años 70. Aquellas escenas en que un zombie era capaz de arrancar un brazo de un simple mordisco o aquellas otras en las que un disparo destrozaba la cabeza de una persona derramando litro de sangre son las que ha creado el director.

Los efectos especiales son una mezcla de lo más avanzado que permite actualmente la tecnología con lo más antiguo (como aquellas escenas en las que para que la víctima sea eyectada varios metros, se recurría a una cuerda que los espectadores podían ver sin demasiadas dificultades). La película tiene momentos brillantes como cuando el detenido sujeta una metralleta en la pierna amputada de la streaper para que vaya matando zombies mientras van en la moto. O cuando esta misma chica aprovecha la onda expansiva de una explosión para saltar un muro de varios metros de alto. También es interesante la intervención en el reparto de Quentin Tarantino, que interpreta a un miembro del ejército americano infectado por el virus.

El montaje es igualmente sensacional. Imitando a lo que realmente se proyectaba en las Grindhouse, podemos ver unos trailers previos sobre películas también de serie B (falsos filmes), cortes bruscos (como también hace Tarantino en Death Proof) para cambiar de planos e incluso hay un momento en que la narración se interrumpe porque uno de los rodillos aparece quemado. Todo lo cual demuestra las condiciones en las que se proyectaban las películas en las míticas salas de cine.

Todos estos recursos técnicos están tan bien pensados, que hacen que Planet Terror sea, algo así, como una obra maestra.